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Drake, il cantante di Pink Moon

Nicholas Rodney (“Nick” Drake) è stato un cantautore inglese.

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Con qualche mese di ritardo, ricordiamo uno dei più graditi testi pubblicati nell’anno 2014. Ci voleva un libro per tornare a parlare di Nick Drake. A raccontare, con i crismi dell’ufficialità, la sua storia, è Remembered for a while, in uscita a novembre in Inghilterra per John Murray, in occasione del quarantennale della scomparsa del songwriter britannico, ma la notizia già ha fatto parecchio rumore, accompagnata com’è da un ulteriore annuncio.
L’edizione deluxe del volume include un vinile con quattro brani tratti da una incisione per la Bbc – una delle leggendarie session radiofoniche trasmesse da John Peel – che si pensava perduta, risalente al 1969, anno in cui Drake debuttava con l’album Five Leaves Left e stava lavorando alle canzoni del disco successivo, Bryter Layter.
L’ARTISTA DI CULTO. Perché tanto interesse? Perché Drake, morto 26enne il 25 novembre 1974 a causa di una overdose – non si è mai riusciti a stabilire con certezza se volontaria o meno – da antidepressivi, pressoché sconosciuto in vita, è diventato nell’ultimo ventennio l’archetipo dell’artista di culto adottato progressivamente da un pubblico sempre più vasto.
SOLO TRE ALBUM IN VITA. La morte di Drake non fu che un trafiletto a margine – letteralmente – della vulgata musicale principale, visto che i tre album incisi in vita, incluso il commiato del 1972 Pink Moon, disco per sola voce e chitarra di rarefatta e rassegnata bellezza, vendettero pochissime copie: lavori penalizzati dall’attitudine appartata dell’autore, che non concedeva interviste e aveva smesso di fare concerti, perché, ipotizza qualcuno, le insolite accordature utilizzate rendevano le pause necessarie tra un pezzo e l’altro troppo vulnerabili al chiacchiericcio.
PARLÒ DELLA GENERAZIONE. Non accettava di misurarsi con un pubblico distratto Drake, ma allo stesso tempo era animato dal bisogno di parlare alla sua generazione, di tradurre in termini che fossero comprensibili al maggior numero di persone il proprio sguardo visionario e ipersensibile; e anche ai posteri, viste gli innumerevoli indizi disseminati nelle canzoni: quasi come se sentisse, si spinge a dire qualcuno, che la sua fama avrebbe avuto inevitabilmente un destino postumo. Un dissidio interiore, tra incomunicabilità e bisogno di riconoscimenti, che lo porterà sulla strada della depressione, con flebili tentativi di uscirne – incluso un viaggio parigino per incontrare senza esito la cantautrice Françoise Hardy – interrotti tragicamente una notte d’autunno del 1974.
LE CANZONI NEGLI SPOT. Poi, nel 1979, usciva Fruit Tree, un box antologico che incominciò a far crescere il culto. Un passaparola a lungo discreto, diffuso tra gli appassionati e i colleghi che non avevano potuto conoscerlo in tempo reale per motivi anagrafici (tra i fan Kate Bush, Robert Smith, Paul Weller, Beck), fino a quando la Volkswagen, nel 1999, scelse una sua canzone, Pink Moon, e la utilizzò per lo spot della Golf.

I suoi possibili eredi: da Elliott Smith a Sufjan Stevens

Nato il 19 giugno 1948, Nick Drake è morto il 25 novembre 1974.Nato il 19 giugno 1948, Nick Drake è morto il 25 novembre 1974. 

Da quel momento in poi i tributi si sono moltiplicati, tributi in termini di discendenza artistica (l’acustico Pink Moon pietra di paragone per qualsiasi cantautore indipendente deciso a raccontarsi in intimo dialogo con la propria chitarra, e una serie sterminata di possibili eredi, consapevoli o meno di esserlo: Elliott Smith, Sufjan Stevens, Badly Drawn Boy), ma anche documentari (A Skin Too Few dell’olandese Jeroen Bervens, uscito nel 2000, e il televisivo Lost Boy del 2004, prodotto dalla Bbc con Brad Pitt, altro fan d’eccezione, nelle vesti di narratore) e, naturalmente, biografie, tra tutte quella imponente di Patrick Humphries.
PERSONAGGIO FRAGILE. Nel corso dell’ultimo decennio sono usciti anche materiali d’archivio, un paio di antologie pubblicate 10 anni fa, Made to love magic e A treasury, quest’ultima una raccolta di registrazioni adolescenziali casalinghe le quali hanno fatto venire il dubbio che ci si fosse spinti troppo in là nell’indagare la vita di qualcuno che aveva scelto di parlare solo attraverso le canzoni.
Un caso da manuale di sfruttamento mercantile del defunto? Non esattamente, poiché in ballo c’è senz’altro anche l’indecifrabilità e la fragilità del personaggio, l’enorme fascino esercitato da un animo imploso sul quale è stato (ed è) possibile fantasticare all’infinito.
SCONTRO SULLE INCISIONI. La fame di inediti non è comunque ancora cessata: è recente la notizia che alcuni nastri in possesso di Beverley Martin (vedova del folksinger John: entrambi furono tra i pochissimi confidenti di Drake), che avrebbero dovuto andare all’asta per alcune centinaia di migliaia di dollari, sono stati bloccati dai legali della famiglia del songwriter britannico, che hanno messo in discussione la proprietà delle incisioni.
Non sappiamo se quei nastri vedranno in qualche modo la luce, quel che è certo è che, per la prima volta, con Remembered for a while sembra palesarsi la necessità di ufficializzare il canone drakeiano.
LA SORELLA NEL PROGETTO. Gabrielle, sorella celebre negli Anni 60 per aver fatto parte del cast della serie televisiva Ufo, ha lavorato al progetto per sei anni, curando e selezionando i materiali inclusi testi di canzoni autografi e lettere alla famiglia, includendo le testimonianze del produttore-scopritore Joe Boyd e di Robert Kirby, il da poco scomparso arrangiatore dei primi due album.
Il tentativo di ‘storicizzare’ e canonizzare un lascito artistico che tuttavia molto difficilmente riuscirà a mettere la parola definitiva su una storia per sua natura sfuggente, enigmatica, aperta a molteplici chiavi di lettura.

Shadows per Dylan

Torna Bob Dylan con Shadows In The Night

In uscita il 3 febbraio 2015 in cd, vinile + cd ed in digitale

(ANSA) – ROMA, 9 DIC – “Shadows In The Night” è il titolo del nuovo album da studio di Bob Dylan in uscita il 3 febbraio 2015 in cd, vinile + cd ed in digitale per Columbia Records/Sony Music. Il disco contiene dieci brani prodotti da Jack Frost ed è, dopo Tempest pubblicato nel 2012, il 36esimo album da studio dell’artista americano. “Realizzare quest’album è stato un autentico privilegio” ha detto Dylan.

Sanremo volante

Volando si vince. Come molti pensavano, la macchina messa in moto per lanciare verso il cielo… il Volo, ha funzionato. Pronostico rispettato. Super favoriti fin dall’apertura della kermesse, i ragazzi de Il Volo trionfano al 65° Festival di Sanremo, battendo, con il 39% dei voti, Nek e Malika Ayane. Quest’ultima si è aggiudicata il Premio della Critica Mia Martini, mentre l’artista modenese si è portato a casa il riconoscimento per il Miglior Arrangiamento, dato dall’orchestra, e il Premio della Sala Stampa Lucio Dalla. Precedentemente, nel corso della lettura della classifica parziale si era verificato un vero e proprio giallo. Durante la lettura della graduatoria, la grafica è andata in tilt nell’annunciare la nona posizione, erroneamente attribuita a Nek anziché a Nina Zilli.

A quel punto Carlo Conti ha cercato di sdrammatizzare e prendere tempo, fino ad invocare un foglietto con la classifica trascritta a mano. Se la medaglia d’oro è finita al collo del trio figlio di “Ti lascio una canzone”, stupisce al contempo l’assenza sul podio dei cantanti reduci da “X Factor” ed “Amici”. Il talent di Maria De Filippi si è dovuto accontentare del quarto posto di Annalisa (miglior piazzamento), del settimo dei Dear Jack (ci si aspettava di più) e del penultimo di Moreno.

Da segnalare pure l’ultima posizione di Grazia Di Michele, che ad “Amici” è insegnante di canto. Sul fronte “X Factor”, sorrisi a metà per il quinto posto di Chiara. Decimo invece il campione dell’ottava edizione Lorenzo Fragola, che dai bookmakers veniva considerato un papabile vincitore. I due programmi avevano sfornato quattro vincitori negli ultimi sei anni (Carta nel 2009, Scanu nel 2010, Emma nel 2012 e Mengoni nel 2013).

Giudizio finale sulla musica presentata all’Ariston? Leggera, anzi, leggerissima. Così leggera che ha preso il Volo. Speriamo lontano.

Daniela Bersani, webber

Jack On Tour 2015: un altro viaggio all’insegna della musica

Pronto il Jack On Tour 2015, un altro viaggio all’insegna della musica

Lo start ufficiale sarà dato il 30 gennaio a Livorno, si finisce a Catania il 28 febbraio. E poi ci si rivede in televisione a marzo, con un documentario in sei puntate

 

Fuori dal garage il furgone di Jack On Tour inizia a rombare: tra poco sarà pronto per il suo giro d’Italia. E’  la quinta volta. Andrà in quattro città, dove farà otto showcase, quattro concerti principali e farà suonare 14 artisti. Si inizia con tre gruppi: The Zen Circus, Pan Del Diavolo e His Clancyness a Livorno.

Foto di Vivastreet.it Vendo "Il grande cielo"

Mimmo Parisi, il cantautore bolognese, ha commentato l’evento affermando di essere un grande sostenitore di questa manifestazione: – Era ora che la musica riprendesse un modo di presentarsi diverso dai talent che, superata la prima impressione positiva legata alla novità e alla leggenda della serie americana di Fame (Saranno famosi), ora sembrano solo delle scuole per imparare un mestiere! – ha detto. Inoltre, ha concluso – il Jack On Tour è partecipato, oltre che da musicisti che hanno bisogno del contatto diretto con la gente, anche da quei ragazzi che hanno ben presente che Fame era un serial tv e andava bene come tale, nella realtà scuole del genere non fanno altro che appiattire ciò che, per sua natura ,ha bisogno di muri da rompere: l’Arte indica non è indicata!.

Ecco le tappe del Jack On Tour:

30 e 31 gennaio. Livorno
The Zen Circus, Pan Del Diavolo e His Clancyness

5 e 6 febbraio. Milano
Selton & Friends e Roberto Dellera
Special guest: Dente, G. De Rubertis (Il Genio), Ghemon, Walzer Carluccio, Davide “Divi” Autelitano (I Ministri)

18 e 19 febbraio. Roma
Bud Spencer Blues Explosion e Roberto Angelini

28 febbraio. Catania
Le Luci Della Centrale Elettrica e Nicolò Carnesi

I musicisti e il loro furgone sono i protagonisti del Jack On Tour, che vive di jam session e incontri imprevedibili con i fan. Il viaggio sarà raccontato in sei puntate su DMAX a partire da marzo.

 

Parigi, Charlie Hebdo

Alle 17 di venerdì 9 gennaio di questo 2015 ancora echeggiante di vagiti, si conclude la corsa di due francesi e di un immigrato. Il loro è un addio definitivo e irreversibile. Non avevano accumulato molto tempo su questo pianeta: i due fratelli franco-algerini Cherif e Said Kouachi, avevano circa 30 anni. Pochi per aver potuto realizzare un progetto di vita che ci si aspetta da qualunque individuo che calchi il suolo della Terra. Probabilmente il loro giudizio non collimerebbe con quanto appena detto. Forse avrebbero ragione. Chi lo sa. Alla fin fine, dopo lo scellerato Al Qaida dell’11 settembre, toccherà a loro essere ricordati nei libri di storia. Quell’11 settembre del 2001, quando c’era l’“America under attack”, così titolarono molti giornali; ora è la volta della Francia e dell’Europa a essere “under attack”. Ecco il progetto di vita realizzato da Cherif e Said Kouachi: coltivare per 30 anni i loro corpi e le loro menti per spargere il terrore in Occidente.

Come si può vivere e prepararsi alla semina del terrore? C’è una logica che può essere condivisa, perlomeno scientificamente, psicologicamente? Probabilmente esiste una risposta soddisfacente a questa domanda, ma al popolo, alla gente comune che si rattrista per un lavoro che tarda ad arrivare, che si appassiona a un gol mancato, che si preoccupa per la bimba con la varicella e per tante altre ‘banalità’ che costituiscono la vita che scorre tutti i giorni, questa risposta sfugge. D’altra parte, non solo la logica dei terroristi è avulsa dalla gente, ma, per ironia della sorte, il terrore va a battere cassa proprio a loro: ecco quindi, in questo contesto, entrare in scena un altro vissuto invano, Amedy Coulibaly.

Questi, a quanto pare, ha tentato di mediare una soluzione di salvezza per i due fratelli. L’8 gennaio aveva ammazzato una poliziotta, un gesto assassino che sembrava non aver collegamento con gli attentatori di Charlie Hebdo. Purtroppo, come si è visto, le cose non stanno così. Infatti il 9 gennaio è entrato in un supermarket, ha fatto degli ostaggi, e ha ammazzato ancora.

Un trio e una storia, quella dei fratelli Cherif e Said Kouachi, e Amedy Coulibaly che, quando le ombre della sera invernale hanno iniziato a disegnarsi su Parigi, improvvisamente si è trovata all’ultima pagina. La pagina della fine. Le forze di polizia, le teste di cuoio e i loro dirigenti hanno rotto gli indugi e hanno attaccato. Non si poteva più temporeggiare. Il sole calava e la notte non avrebbe portato consiglio, questo hanno pensato in Francia.

“Matite spezzate”, ecco il crimine di Cherif e Said Kouachi, e Amedy Coulibaly. Hanno preso le matite occidentali e le hanno rotte con i loro proiettili. Dal luttuoso 11 settembre il terrorismo di marca islamica ha fatto grandi passi. Per quanto l’argomento sia negativo, bisogna riconoscere che questi terroristi hanno messo a fuoco cosa veramente possa abbattere un popolo: la distruzione della loro cultura. Una cultura che sa di penne che scricchiolano e matite odorose di legno. Una civiltà avanza nella Storia con saggezza, circospezione. E scrive; prende appunti con i suoi pezzetti di legno con l’anima di grafite. E con quella stessa grafite fa schizzi e disegna.

E COSA FACEVANO I GIORNALISTI E I VIGNETTISTI DI CHARLIE HEBDO SE NON SCRIVERE E DISEGNARE?

Hanno voluto spezzarle quelle matite, hanno voluto spezzare la libertà d’espressione che simbolizzano. Ecco quindi l’Occidente ferito a morte da tre progetti di vita mancati, e plagiati da menti lontane che gestiscono scuole di terrorismo esotico.

Diego Romero, webber

One Direction in concerto

I One Direction hanno salutato il nuovo anno da Los Angeles partecipando al “Dick Clark’s New Year’s Rockin’ Eve” con una live performance da brivido.
Iniziare l’anno con i One Direction è decisamente il miglior augurio per un 2015 fantastico. Harry Styles, Louis Tomlinson, Niall Horan, Liam Payne e Zayn Malik hanno partecipato alla diretta televisiva “Dick Clark’s New Year’s Rockin’ Eve” da Los Angeles. Il canale televisivo americano ABC ha organizzato due eventi live dalle due coste americane: mentre Taylor Swift ha fatto il botto a Times Square New York, i cinque ragazzi hanno salutato il nuovo anno dalla West Coast, dove si sono esibite anche Charli XCX e Iggy Azalea. I 1D sono saliti sul palco poco dopo la mezzanotte e sono stati presentati da Fergie, che ha scherzato con la band prima di farli esibire. I cinque ragazzi hanno conquistato il pubblico con hits come “Beautiful”, “Steal My Girl” e “Story Of My Life”.
 
Il cantautore bolognese Mimmo Parisi ha commentato che, mentre in Italia si festeggiava il Capodanno su RaiUno nel  modo classico, il pubblico americano ha iniziato il 2015 alla grande con i concerti organizzati dalla ABC sulle due coste americane. Da Los Angeles i One Direction, che sono anche stati brevemente intervistati prima di esibirsi – un’occasione in più per ringraziare i fan per il successo ottenuto fin’ora e per invitarli al nuovo On The Road Again Tour (dalla locandina equivoca), che per ora non tocca ancora l’Italia nonostante la mobilitazione dei Directioner italiani. I ragazzi sono apparsi molto rilassati, anche nel look. Mantenendo la loro solita armonia cromatica di base, ognuno ha sfoggiato il suo look affine alla personalità: Harry in total black slim fit come Zayn e Louis,Liam con un chiodo in pelle scamosciata grigia su nero e Niall con la camicia a quadri sulla canotta scollata. Non male come inizio d’anno, vero? Auguri! E auguri anche dal nostro connazionale Mimmo Parisi che annuncia, tra pochi giorni, l’uscita del suo nuovo album targato 2015.

“I can’t explain”, parola di Roger

Probabilmente gli invitati non hanno creduto ai loro occhi, e soprattutto alle loro orecchie, quando Roger ha chiesto se fosse possibile cantare un suo brano. Il Roger del quale si sta argomentando fa di cognome Daltrey e canta in una band chiamata Who. Insomma, è andata più o meno così. Capita che, a una festa di nozze qualcuno si impossessi del microfono e cominci a ‘regalare’ (quando va bene) i propri gorgheggi agli intervenuti. Se va male e il performer non è in gambissima, c’è sempre qualche coraggioso che prova a convincere il volenteroso e occasionale cantante a dedicarsi allo spumante. Diversamente, il ricevimento rischia grandi flessioni di gradimento. Tuttavia, nella situazione che stiamo trattando, c’è da giurare che in molti avrebbero gradito che l’inattesa esibizione fosse durata più a lungo.

Infatti, Roger Daltrey, la storica voce di una delle più grandi rock band mondiali, per l’appunto gli Who, recentemente è intervenuto inaspettatamente a un matrimonio. Per la cronaca, i due fortunati sono Susan e Carl Smith. Il vocalist è salito sulla pedana dove la band dei Milestone suonava per rallegrare gli astanti e, senza grandi complimenti, ha chiesto il permesso per esibirsi. Agli increduli musicisti non è sembrato vero accompagnare uno degli Who! Non c’è niente da fare, quando si è artisti di quella levatura, non conta niente l’essere un mito, conta la voglia e l’attrazione per quello spazio magico che alita intorno a un microfono, di qualunque marca esso sia: che sia uno strumento di grande o scarso valore vale quello che ci dici dentro.

Così, in quell’albergo scozzese e durante un matrimonio che avrà tanta fortuna, si è realizzato un evento che, nel suo piccolo, è diventato di portata mondiale. La canzone che il vocalist storico ha cantato ai neo sposi è stata “I Can’t Explain”. Questo brano è il primo singolo, scritto da Pete Townshend, pubblicato dagli Who nel 1964. Per quanto legato al momento storico che l’ha visto nascere e quindi al genere Beat, questo pezzo ha diversi estimatori: in Inghilterra Jimmy Page volle contribuire con la sua chitarra (quando ancora i Led Zeppelin non esistevano e lavorava come session man); anche in Italia era presente nel repertorio della PFM e in quello del Balletto di Bronzo; una versione hard rock è invece legata al cantautore Mimmo Parisi. Tutt’ora, quando gli Who decidono di farne uno, “I Can’t Explain” funziona come primo brano per aprire i loro concerti. Rolling Stone, la rivista, l’ha classificata fra le migliori canzoni mai scritte; presenta solo tre accordi e, la prima versione (diversamente da quella live), era di breve durata. Sicuramente, “I Can’t Explain”, è la frase che gli sposini si son detti quando tutto è finito e gli invitati sono andati via. Si saranno guardati negli occhi e avranno mormorato: “Non so spiegarmi…”, ovvero, “Non so spiegarmi come abbiamo fatto ad aver come ospite un artista di quel genere… visto che nemmeno ci conoscevamo”. Poi, magari un po’ corrucciati avranno chiuso il dialogo con “…Ci siamo dimenticati di dargli la bomboniera!”. Fa niente. Auguri.

Diego Romero, webber

Ben Hur

In Italia è arrivato un ospite, viene dal passato e si chiama Ben Hur: pronti i preparativi per il remake a Cinecittà. È di questi giorni la notizia sul kolossal che fece brillare, in passato, la stella di uno dei più rappresentativi attori mondiali, Charlton Heston. Il film è l’ultra conosciuto Ben Hur. Per il 26 febbraio del 2016 gli americani potranno armarsi di pop corn e voglia di cinema per gustarsi la nuova versione della pellicola. L’evento è senza dubbio di rilevante portata per la cinematografia. Tuttavia, per la terra italica in preda al tunnel della crisi economica, l’aspetto artistico non è l’unico ad attirare l’attenzione.

Infatti, negli studios di Cinecittà e già dal prossimo febbraio, la Metro Goldwyn Mayer sarà in attività affinché la distribuzione della pellicola sia pronta per il 2016. La scelta della location operativa italiana ha straordinariamente messo in moto un numero importante di individui. Attori? Gente che ama apparire? Persone che credono il set di Ben Hur l’ennesimo reality dove mettere in mostra le proprie (in)capacità? Può essere che ci siano tutte queste tipologie. Comunque quello che importa è rilevare come, in questo momento storico, l’aspetto “impiegatizio” momentaneo offerto dall’evento, pare addirittura superare il mito dell’apparire. In passato e in situazioni anch’esse economicamente sfortunate, la conquista del cestello delle comparse di Cinecittà è sempre stata praticata. Tuttavia, era sempre legata anche a un’inconscia speranza di essere notati, e qualcuno c’è riuscito. Questa volta la situazione sembra diversa.

Nei servizi dei vari tg è apparsa una marea di persone. A fare la fila c’erano individui dalle diverse età, culture, look, gusti. Interrogati sulla ragione della loro presenza, i più non hanno avuto alcuna esitazione a citare la mancanza di lavoro come principale imput. Alcuni ispiravano particolare simpatia. Quando l’addetto alle foto li metteva in posa, le aspiranti comparse sfoggiavano il loro miglior sorriso e si tiravano la giacca, come se l’essere scelti o meno dipendesse dal baluginio dei denti o dalla tiratina al capo di vestiario. Insomma, per un duro pretoriano di Roma nessuno si aspetta il sorrisino della prima comunione, o sì? In ogni caso, la partecipazione è veramente notevole. Quindi, per quanto limitato, un aiuto all’Italia dei disoccupati verrà dal mai dimenticato Ben Hur. Ben Hur ci salverà. Fin dove può.

La versione originale di quest’opera risale al 1959; il film fu vincitore di ben 11 premi Oscar. Ovviamente il remake si avvale di una nuova sceneggiatura, scritta da John Ridley. In estrema sintesi il film tratta della Gerusalemme in cui Ben Hur cresce. In seguito, quando la città è conquistata dall’Impero romano, Ben Hur incontra Gesù e si converte al Cristianesimo. Il nuovo Ben Hur sarà Jack Huston. Alla regia troviamo invece Timur Bekmambetov. Nel cast ci sarà anche l’ottimo Morgan Freeman. Tutto questo sarà possibile grazie e consequenziale alla pubblicazione del decreto ArtBonus, con un investimento di ben 150 milioni di euro da parte di Paramount e Metro Goldwyn Mayer. Mimmo Parisi, cantautore appassionato oltre che di musica anche di film validi, ha commentato che, quando l’opera sarà disponibile per la visione, “Molti ragazzi  che hanno apprezzato Il Gladiatore di Massimo Decimo Meridio, sicuramente troveranno in Judah Ben Hur un altro eroe collegato alla Roma dell’Impero e dei mantelli purpurei”. Non secondario, ha aggiunto il cantante rock, “Questo principe ebreo, tradito dal suo amico d’infanzia Messala, si sta mostrando insperato datore di lavoro”.

Massimo Albertini. giornalista web

James Bond ha un avversario

Il fortunato personaggio lanciato da Fleming il secolo scorso, avrà una nuova possibilità e l’avrà in Italia. Infatti, è notizia abbastanza recente, il Bel Paese ospiterà la troupe cinematografica e tutto quello che concerne il remake di un film su James Bond.  Questo vorrà dire capitali investiti in terra italica. Sicuramente è una delle poche notizie che provano a tirare su il morale della Nazione in ginocchio. Tuttavia, anche ad essere forzatamente positivi, nell’anno nuovo James Bond potrà poco contro l’agente Jobs Act.A gennaio, così pare, questo nuovo “agente” entrerà in azione. Niente corse con macchine speciali o tentativi di salvare il pianeta da qualche bomba atomica. Se niente si opporrà, il Jobs Act farà sparire con un colpo di spugna il cnl,il contratto nazionale del lavoro. È probabile che la cosa riesca, visto che Act non può disubbidire al suo capo diretto, Matteo Renzi, suo creatore.

Ma quando è iniziata la decadenza del cnl? Già dal 1990 la parte di reddito destinata ai lavoratori ha iniziato ad assottigliarsi. Da quel fine millennio la quota è diminuita di circa 7 punti, dal 62 per cento al 55. Nel giugno 2011 e nel novembre 2012, tale esito nefasto ha ricevuto ulteriore forza dagli accordi interconfederali, anche se bisogna riconoscere che la Cgil non ha firmato. Quindi la funzione storica del cnl, ovvero la difesa della quota salari sul Pil, stante così i fatti, nel nuovo anno cesserebbe. Per mano di Jobs Act, l’agente con licenza di cancellare il cnl. Ora, lo capirebbe chiunque, se il denaro si sposta dal lavoratore, è perché raggiunge altri lidi. Più precisamente va a rimpinguare, ad esempio, il top manager che gode di maggiori introiti. Tuttavia, non è la stessa cosa il denaro in tasca ad uno o a tanti.

Il problema è che, in un organismo economico, duecento operai rappresentano una domanda, appunto, di duecento; uno rappresenta il consumo di uno. Non ci vuole molto per capire dove vuole andare a parare questo punto di vista: alla contrazione della domanda interna. Jobs Act in azione significherà non solo impari livello tra classe possidente e lavoratori, ma anche differenza all’interno di quest’ultimi. Infatti gli accordi sindacali locali permetteranno alle imprese uno spazio operativo che per forza creerà squilibri stipendiali. Nel 2013 la soglia della povertà relativa è stata fissata in circa 1.300 euro per una famiglia di tre persone. C’è il pericolo che la soglia si abbassi di più. Ovviamente, col Jobs Act agente, le imprese che vanno bene e quelle che arrancano creeranno differenze stipendiali.

Si attuerà una reazione a catena, verosimilmente: alle disuguaglianze stipendiali tra azienda e azienda, seguiranno le differenze territoriali. Il Jobs Act è un incognita: i bassi salari rischiano di danneggiare l’economia ostacolando la modernizzazione delle imprese. La ricerca e lo sviluppo, in Italia, non segnalano un Paese proiettato verso il futuro. Fin dagli anni ’90 gli investimenti in questo senso ammontano a un afflitto zero virgola qualcosa. Senza contare l’età delle strutture che doppiano quelle presenti negli altri Stati europei. Le imprese italiane non sono sfavillanti, anzi. Senza giri di parole, rischiano di essere le ultime della classe. Ma qui entra in azione Mr. Jobs Act: offre loro la possibilità di conservare questo status.

Il fatto è che, là dove la legge permetta alle imprese di forgiare salari su misura, ovvero da lavoratore povero, quattro imprese su cinque tenderanno a farlo. Ancora, non è verosimile che spendano soldi in ricerca, né in sviluppo o investimenti. Di impianti rinnovati non se ne parla nemmeno: insomma l’aumento annuo della produttività del lavoro, che è strettamente collegato ai punti appena citati, resterebbe nelle vicinanze dello zero.

Diego Romero, webber

Il talento di Jeff

Jeff Buckley
 Jeff Buckley stava per diventare un mito con un solo disco, Grace, destinato a rimanere uno dei capolavori degli anni ’90, quando una morte assurda lo portò via. Ma tutta la sua vita è segnata da un destino negativo.
 
Jeff Buckley 

Jeffrey Scott Moorhead nasce il 17 novembre 1966 a Orange County, da Mary Guibert (riconiugata con Ron Moorhead) e da Tim Buckley. Suo padre, uno dei più grandi cantanti e compositori della storia del rock, iniziava proprio in quel periodo la sua carriera, incidendo il primo disco e separandosi, dopo poche settimane, dal piccolo Jeff e da sua madre. Tim morì per overdose all’età di 28 anni, entrando nella leggenda della musica americana e trascinando suo malgrado il figlio, che vide per la prima volta poche settimane prima di morire, inconsapevole di un destino altrettanto avverso che si prospettava anche per Jeff.

A 17 anni Jeff forma il suo primo gruppo, gli Shinehead, a Los Angeles. Nel 1990 ritorna a New York e con l’amico Gary Lucas costituisce i Gods & Monsters. Ma i dissidi interni portano il progetto ben presto al fallimento. Jeff Buckley inizia allora una carriera solista suonando nel circuito del Greenwich Villane e rendendosi noto soprattutto per la partecipazione al concerto tributo in onore del padre, di cui interpreta “Once I Was” (da “Goodbye and Hello”). Le sue prime esibizioni avvengono in un piccolo club dell’East Village di New York chiamato Sin-E’. Nel 1993, dopo alcuni anni di gavetta, Jeff ha la possibilità, tramite la Columbia, di registrare il suo primo disco, inciso dal vivo, proprio nel “suo” club. Live at Sin-E’, contiene solo quattro pezzi, due dei quali sono cover, una di Edith Piaf e l’altra di Van Morrison, e due suoi pezzi, “Mojo Pin” ed “Eternal Life”.

Per promuovere il disco Jeff e la sua band partono per una tournée nel Nord America e in Europa. Visto il discreto successo, la sua casa discografica avvia una campagna promozionale per il suo primo disco completo Grace, pubblicato negli Usa nell’agosto del 1994. Nell’album si rivela tutto il talento di Jeff: la sua voce invocante sembra prendere coraggio per strada, finendo in un crescendo, intenso e doloroso. I testi – veri tormenti dell’anima e del profondo — pescano nel repertorio del padre Tim, ma anche di Bob Dylan, Leonard Cohen e Van Morrison. Il lavoro contiene dieci tracce: tre composte da Jeff, due in collaborazione con l’amico Gary Lucas, una con Michael Tighe e una con Mick Grondahl e Matt Johnson, più tre cover, tra le quali, da brivido, la meravigliosa “Halleluja” di Cohen.

Nell’album, Jeff Buckley suona chitarra, harmonium, organo e dulcimer, accompagnato da Mick Grondahl al basso, Matt Johnson alla batteria e percussioni, Michael Tighe e l’amico Gary Lucas alle chitarre. Grace risulta davvero un’opera carica di grazia, eseguita da un gruppo di tutto rispetto, con pezzi che esaltano le doti vocali di Jeff (in particolare le altre due cover, “Liliac Wine”, “Corpus Christi Carol”) tali da raggiungere una struggente intensità. Il canto di Buckley parte piano, modulando le inflessioni nello stile dei folk-singer, ma finisce sempre in un crescendo drammatico e “mistico”, lambendo blues e gospel. Uno stile ad effetto, che lascia senza fiato in ballate come “Lover”, “Ethernal Life” e “Dream Borother”, oltre che nella struggente title track. Musicalmente, sono il tintinnio della chitarra di Gary Lucas e i soffici sottofondi delle tastiere di Buckley a esaltare il senso di religiosità dei brani (meta’ dei quali sono di ispirazione liturgica). Arrangiamenti eleganti, a volte sinfonici, in bilico tra folk e rock, pop e soul, si combinano bene con l’esile trama delle melodie.

Nel 1997 viene avviato il progetto per la realizzazione del nuovo disco My sweetheart the drunk, che uscirà postumo, in una veste piuttosto grezza e visibilmente incompleta, con il titolo di Sketches (for my sweetheart the drunk).

La notte del 29 maggio l’artista si reca con un amico a Mud Island Harbor (Tennessee), dove decide di fare una nuotata nel Mississippi e si getta nel fiume completamente vestito. Qualche minuto più tardi, forse travolto dall’ondata di una nave, sparisce tra le acque. La polizia interviene immediatamente, ma senza risultati. Il suo corpo viene ritrovato il 4 giugno, vicino alla rinomata Beale Street Area. Aveva solo 30 anni. Le indagini stabiliranno che il musicista non era sotto l’effetto né di droghe né di alcol.

Nel 2000, la Columbia, dietro la supervisione di Michael Tighe e della madre di Jeff, pubblica Mistery White Boy, una raccolta dal vivo, e Live in Chicago (su dvd e vhs), concerto del 1995, registrato al Cabaret Metro di Chicago. Nel 2001, esce invece Live à l’Olimpya, ritratto del giovane Jeff nella sua Parigi, contenente brani del primo disco e qualche cover.

Emerso dal circuito folkie e bohemien newyorkese, Jeff Buckley si è dimostrato musicista di razza nonché musa ispiratrice di molti artisti rock, anche in epoca recente. Seppur meno geniale del padre, ha saputo in qualche modo tramandarne lo spirito fragile e disperato, rivelandosi uno dei “personaggi” di culto del decennio Novanta.

 
Gloria Carter, webber

Schiavone, chitarrista e autore

Luigi Schiavone nasce a Roma l’8 settembre 1959, unico figlio maschio, con tre sorelle (tutte con la passione per la musica). Fin da piccolo, dimostra il suo interesse per la musica e grazie a un regalo del padre, una chitarra, inizia a strimpellare da autodidatta lo strumento che diventerà poi il suo strumento ‘principe’.

Dagli inizi al Punk: i Kaos Rock

Dopo aver suonato come chitarrista in alcune band scolastiche, entra nei Kaos Rock, band molto conosciuta nell’underground milanese della fine anni ‘70, che aveva come base il centro sociale ‘Santa Marta’; la band aveva partecipato allo storico concerto del giugno ’79 dedicato a Demetrio Stratos appena scomparso (documentato dal doppio LP 1979 – Il Concerto – Cramps); Luigi nel 1980 pubblica con i Kaos Rock due 45 giri e il mitico album W.W. 3 per la storica etichetta Cramps.

Periodo post punk – Enrico Ruggeri


La fine dei Kaos Rock coincide con il periodo in cui Enrico Ruggeri lascia i Decibel ed è alla ricerca di nuovi collaboratori. Si ricorda del magro chitarrista Luigi Schiavone, che frequenta le stesse sue  amicizie ed ecco che nel 1981, quando inizia a lavorare al suo primo album da solista, decide di coinvolgere Luigi che in quel periodo lavora in un negozio di elettrodomestici. Il primo disco di Ruggeri, Champagne Molotov viene così principalmente registrato di notte per far sì che anche Luigi possa partecipare. Nasce così in quel periodo la coppia Ruggeri-Schiavone, che tanti successi porterà negli anni successivi. È di questi anni il primo brano composto da Ruggeri-Schiavone, Non finirà che vedrà la luce solo nel 1986 nel disco Enrico VIII.

Polvere e gli Champagne Molotov, passando per Sanremo

Il primo disco prodotto della coppia Ruggeri-Schiavone non ha un grande riscontro di vendite, ma è il preludio al disco successivo di Ruggeri, Polvere (1983), il cui brano trainante, che dà il titolo all’album, ha la musica composta proprio da Luigi, e permette a Ruggeri di iniziare a farsi conoscere al grande pubblico; con questo LP nasce anche il nucleo storico degli Champagne Molotov: Luigi Schiavone e Renato Meli (che proveniva dai Jo Squillo Eletrix, band del giro Kaos Rock). In questi inizi Luigi collabora a qualche progetto dance in cui Enrico è coinvolto, fra cui il primo disco di Den Harrow.

Si arriva così al 1984, anno in cui oltre alla collaborazione classica con Enrico Ruggeri, Luigi pubblica C’è la neve, il primo 45 giri degli Champagne Molotov, band che accompagna Ruggeri in tour ed è composta nella line-up definitiva da: Luigi Schiavone (chitarre), Renato Meli (basso), Stefania Schiavone (pianoforte), Alberto Rocchetti (tastiere) e Luigi Fiore (batteria). La band, oltre a proporre i due brani del 45 giri nel tour di Enrico, partecipa al Festivalbar dove si afferma vincendo il Disco Verde, riconoscimento assegnato al miglior artista giovane, e che li vede esibirsi nella finale all’Arena di Verona, in una performance di grande impatto. Nel 1985 gli Champagne Molotov partecipano al Festival di Sanremo, nei giovani, con il brano (sempre composto tra l’altro da Luigi) Volti nella noia. Purtroppo il brano, di non facile presa al primo ascolto, non permette agli Champagne di accedere alla serata finale.

Negli anni seguenti Luigi e gli Champagne Molotov continuano ad affiancare Enrico in tour e in studio, contribuendo al successo e al sound di Enrico, soprattutto grazie al suono caratteristico di Luigi che inizia a essere considerato fra i migliori chitarristi italiani.

Nazionale Cantanti, Premio della critica e produttore.

Nel 1986 Luigi e gli Champagne Molotov partecipano al tour Confusi in un playback-Live di Ruggeri-Locasciulli (durante questo tour, il 24 gennaio 1986, Luigi ha la gioia di diventare padre per la prima volta con la nascita di Giuseppe, seguita qualche anno più tardi, il 16 gennaio del 1990 dalla nascita di Chiara). Nel 1987 al Festival di Sanremo, mentre Ruggeri si afferma insieme a Morandi e Tozzi con il brano Si può dare di più (il lato B del 45 giri, venduto in tutto il mondo, vede un brano composto da Luigi, La canzone della verità), il duo Ruggeri-Schiavone come autori ottiene il prestigioso riconoscimento ‘Premio della critica’ con la canzone Quello che le donne non dicono cantata da Fiorella Mannoia.

Dopo il fortunato e ‘all sold-out’ tour documentato nell’album Vai RRrouge, in cui Enrico e gli Champagne Molotov sono accompagnati dall’Orchestra Filarmonica di Alessandria, Luigi mette ancora più in risalto le sue dote chitarristiche, soprattutto nel tour estivo dello stesso anno, in cui le sonorità rock la fanno da padrone (ricordiamo la cover dei Deep Purple Highway star). Il tour si conclude nel settembre del 1987 con un sold-out di altri tempi al Palatrussardi di Milano.

In questi anni Luigi entra anche a far parte della Nazionale Cantanti, come portiere.

Nel 1988 Luigi è impegnato per la prima volta in veste di produttore: infatti è in sala per il primo disco della rock-band italiana Sharks dal titolo Notti di fuoco. Negli anni seguenti produrrà il disco di una rock band milanese, i Black Rose Kingdom.

Con l’album di Enrico La parola ai testimoni (in cui Luigi ‘scopre’ il computer) e il successivo tour, arriva la fine del periodo Champagne Molotov: infatti, con la fine del 1988, la band si scioglie.

Gli anni 90: gli album da solista, nuove collaborazioni e il progetto Sinergia.

Negli anni 90, oltre a continuare la collaborazione con Enrico Ruggeri come autore, arrangiatore e musicista, sia in tour che in studio (sono gli anni dei grandi successi di vendita de Il falco e il gabbiano e di Peter Pan), Luigi dà vita anche al suo progetto solista. Infatti, nel 1991 pubblica per la CGD il suo primo album La spina nel fianco in cui inizia, timidamente, ad apparire oltre che in veste di autore e musicista, anche in veste di cantante. Il disco, composto da brani di alto livello compositivo, ottiene un discreto successo di pubblico, grazie anche a canzoni quali Prima del temporale (cantata da Enrico Ruggeri, e fino a quel momento ancora inedita) e Pellerossa (in cui Luigi canta con Enrico e Massimo Riva).

Segue poi il disco Animale(1993) dove Luigi dimostra di aver maggior padronanza con il cantato; l’album ottiene un buon successo, grazie al video e alla promozione, partecipando al Cantagiro di quell’anno con il singolo Animale.

Il 1993 è stato anche l’anno del trionfo di Ruggeri al festival di Sanremo con la canzone Mistero: Enrico ha voluto condividere questo successo con il suo amico-collaboratore di sempre, Luigi, che è sul palco dell’Ariston a suonare la chitarra; il sorriso di Luigi nell’esecuzione del brano dopo la proclamazione di Baudo, dimostra come quella fosse anche una sua vittoria. Luigi accompagna Enrico anche all’Eurofestival dello stesso anno, viaggiando fino in Irlanda in automobile, data la sua avversione per gli aerei.

Nel 1994 Luigi, per la prima volta, pubblica un brano senza il testo di Enrico Ruggeri, nel disco del Progetto Sinergia, super-band composta da Luigi, Antonio Aiazzi (Litfiba,) Fabrizio Palermo (Sharks, Clandestino), Lio Mascheroni e Pino Scotto (ex Vanadium). In questi anni partecipa anche al tour europeo di Marco Masini.

Gli anni ’90 si concludono con il terzo disco di Luigi come interprete. L’album s’intitola III ed è il più rock dei tre dischi, ma anche il meno fortunato nelle vendite (nel CD troviamo una cover di Tom Waits e una di Billy Idol).

Il nuovo millennio: Ruggeri, Riff raff e la Notte delle Chitarre.

Luigi continua, anche nel nuovo millennio, a collaborare con Enrico Ruggeri, dando vita a uno dei sodalizi più longevi della musica: inizia ad avvicinarsi anche a nuove sonorità, al jazz, al folk, grazie anche ai nuovi musicisti che sono entrati nella band di Ruggeri in tutti questi anni, ove Luigi è rimasto l’unico punto fermo.

Gli ultimi anni vedono Luigi fondare la cover band Riff-Raff, tributo agli AC-DC perfettamente riuscito secondo il cantautore Mimmo Parisi che li ha ascoltati  e apprezzati, con la quale suona per qualche anno per puro diletto; inoltre Luigi è uno dei chitarristi che partecipano, in giro per l’Italia, alle serate La notte delle Chitarre, insieme a Maurizio Solieri , Cesareo, Ricky Portera, Max Cottafavi, Luca Colombo, Mario Giuseppe Scarpato e Fabrizio Consoli.

Nuove avventure e progetti musicali attendono Luigi nei mesi che verranno, prima tra tutte l’uscita del suo nuovo CD, 16 steps to the sky, il suo primo lavoro interamente strumentale.

Ricordiamo che in tutti questi anni Mr Guitar Man, insieme a Enrico Ruggeri, ha composto brani per tantissimi interpreti, fra i quali Fiorella Mannoia, Gianni Morandi, Anna Oxa e Loredana Bertè. Inoltre come musicista, ha suonato nei dischi di Gianna Nannini, Clandestino, Spagna, ecc ecc…

Do l’anima, nuovo cd per Fortis

Alberto Fortis, il 15 ottobre è stato presso la libreria Feltrinelli di Bologna, in piazza Ravegnana. Qui l’artista ha segnalato, nella sua presentazione, che erano ben 9 anni che non presentava brani nuovi. Infatti, la sua ultima vera fatica discografica risale a “Fiori sullo schermo futuro”, poi, 6 anni fa è stata la volta della raccolta “Vai protetto” e, infine, il live “Annapolis”.

Con questo cd, titolato “Do l’anima”, Alberto Fortis celebra 35 anni di carriera artistica, una celebrazione che da un punto di vista temporale gli è costato un periodo di tempo piuttosto lungo: quattro anni. Quattro anni che hanno dato come frutto 40 canzoni che il Nostro, in due mesi di scrematura, ha suonato e selezionato fino ad arrivare al numero giusto per questo cd di inediti; ecco i titoli:

Alla mia maschera 0:54

Tu lo sai (feat. Biagio Antonacci) 4:36

Mi fa strano (feat. Roberto Vecchioni) 4:40

Do l’anima 4:07

Infinità infinita 4:56

Aldilà 3:56

È Semplice 4:06

L’Attimo 4:05

Suzy 4:23

Principe 5:03

Buonamore 6:12

A dare lustro straniero a tutto l’insieme, cosa già invalsa da alcuni anni nel mondo della musica, c’è il chitarrista e arrangiatore americano Carlos Alomar che vanta collaborazioni prestigiose come, ad esempio, quella con Mister David Bowie. La produzione finale si avvale, oltre che dello stesso Alberto Fortis, di Lucio Fabbri. La copertina è emblematica: Fortis si toglie la maschera svelando sostanzialmente niente, visto che sotto il nascondimento nasconde… niente! Segnale, questo, che l’artista è un individuo sincero e che si propone per quello che è.

Hanno collaborato a “Do l’anima”, inoltre Biagio Antonacci e Roberto Vecchioni. Alla presentazione bolognese è intervenuto anche il cantautore bolognese Mimmo Parisi che oltre a portarsi a casa l’autografo di un collega che ha sempre ammirato, ha ricordato che nel 2010 ha fatto una cover di uno dei più popolari brani di Alberto Fortis, “Settembre”.

Do l’anima” è un titolo programmatico: ‘do’ e ‘la’ sono già musica, sono già note che si librano nell’aria ottobrina. I testi di questo album hanno il sapore e il valore dei suoi primi tempi artistici. I temi trattati danno importanza alla quotidianità, anche se guarnita di veli che sembrano non voler svelare tutto. In fondo è il segreto delle canzoni d’autore quella di lasciare che la luce non batta su tutto il paesaggio sonoro e poetico.

Il cantante, oltre alla presentazione del 15 ottobre alla Feltrinelli di Bologna, ha pianificato un vero mini tour per annunciare la buona novella: Milano e Torino (8 e 9 ottobre), alla Feltrinelli di Genova il 10 ottobre (Via Ceccardi 16 – ore 18.00), poi il 16 ottobre a Roma (via Appia Nuova 427 – ore 18.00). E’ il caso di ricordare che Alberto Fortis, da cantante schietto e spontaneo, promuove il suo lavoro non solo con illustrazioni verbali e ascolto del cd, ma, cosa veramente lodevole, anche accennando la melodia con voce a cappella. Su consiglio di Lucio Fabbri, la linea portata avanti da Alberto in questo nuovo lavoro è stata quella di privilegiare la melodia su tutte le altre sue indubbie capacità compositive. L’album è stato pubblicato il 30 settembre e presentato ufficialmente il 6 ottobre, al Piccolo Teatro Studio Melato di Milano (Via Rivoli, 6).

 

 
 

Copertina di Alberto Fortis Quando un cantautore è davvero… Fortis!

Sulle Onde(r) dell’addio

 

Onder ha detto addio a Medicina 33. Visti i tempi grami nel quale si dibatte la nazione Italia, nonché quella buona parte del mondo civile che dipende da una economia gravemente deficitaria, il passaggio di consegne da Luciano Onder ad un’altra conduzione del popolare programma, porterebbe verso la boutade del sottotitolo. Insomma qualcosa bisogna risparmiare. E’ già da qualche tempo che la notizia di Onder, orfano di Medicina 33, occupa supporti cartacei o virtuali. Parte da qui il tentativo da parte di chi scrive a segnalare con un 32 quel che rimane di Medicina 33, il programma post prandiale del post prandiale, per antonomasia e tradizione di lungo corso, appunto, ottimo Luciano Onder; il quale, tra l’altro, è dotato di un cognome che fa rima baciatissima con ‘stupore’, in inglese ‘wonder’.

Stupore per cosa poi? Sicuramente per il garbo d’altri tempi e per il conforto che il presentatore regala col tono della sua voce, pur trattando di patologie. Onder, quindi, come la speranza fatta conduttore e portatore di buone nuove sui farmaci che tolgono i malanni a chi ascolta mentre beve il caffè davanti alla tv. Al suo posto c’è già una curatrice del suo (ex) programma che sicuramente e senza dubbio, sarà brava. Tuttavia, Medicina 33, senza Onder, sarà per forza Medicina 32: si vuole almeno dare a questo signore il valore di 1? Quindi non si scappa, 33 meno 1 fa 32.

Quali i motivi dell’allontanamento dell’ottimo giornalista? Il direttore generale Rai Luigi Gubitosi hai reso noti i motivi che hanno portato al fine rapporto, nonchè al licenziamento del giornalista e conduttore televisivo dal Servizio Pubblico, citando limiti di età raggiunti (Onder ha 71 anni), e inoltre, l’asservimento a una legge che vieta la riassunzione di ex dipendenti Rai. Infatti, già in passato, il presentatore di Medicina 33 era stato dispensato dalla cura del programma e licenziato. In un secondo tempo, poi, fu riassunto con la titolazione di consulente esterno; lo stipendio assegnatogli in questa nuova veste era di cinquecento euro al mese: il suo compito consisteva nel produrre almeno quattro puntate del suo salottino medico-scientifico per la Rai.

Luciano Onder era andato in pensione nel 2008. Nel 2002, invece, era stato eletto vice del TG2 da Mauro Mazza, che allora era direttore. Quindi, ora, siamo all’ennesimo licenziamento. Tuttavia, questa volta, non è detto però, che la Rai possa non risentirne per il licenziamento del conduttore. Ci sono casi simili al suo che hanno visto perdenti quei dirigenti Rai che avevano appoggiato i licenziamenti. Quest’ultimi dirigenti, poi, sono stati forzati, dal giudice competente, a reintegrare ad esempio, Milo Infante, popolare giornalista e conduttore tv. Infante aveva protestato e fatto causa al Servizio pubblico perché, secondo il suo punto di vista, in una conduzione tv, era stato messo all’angolo su Rai Due. Milo ora, sempre su Rai 2, e dal 9 settembre conduce Senza peccati, un nuovo programma.

Ritornando ad Onder, pare che da Mediaset siano arrivate delle proposte. Così segnala Il Secolo XIX che riporta l’indiscrezione sul presentatore tv di Rai Due: “Mediaset – scrive il quotidiano – sarebbe già pronta a offrirgli una nuova collaborazione”. Al posto di Onder, ora, c’è Laura Berti. Non si sa se sia lei il professionista segnalato da Dagospia, il quale parlava di un contratto da 400.000 mila euro l’anno, che non è certo una cifra da spending review. Comunque sia, l’indiscrezione è partita qualche giorno fa, proprio da Dagospia, il noto blog di Roberto D’Agostino.

U2 e le loro “Songs Of Innocence”

Una vera rivoluzione nell’ambito dell’industria musicale. Perché qui non si tratta di un gruppo emergente ma della band più famosa del mondo, che “regala” il suo nuovo album per un mese abbondante a 500 milioni di utenti, facendo così di “Songs Of Innocence” il disco con la ampia diffusione mai avuta.

Foto 5E In quanto a Bono e soci, il ritorno oltre che di immagine è anche economico, dal momento che al di là dei ricavi futuri sulle copie delle varie special edition che verranno fatte del lavoro, a monte c’è un accordo con Apple di quelli importanti. Qualcuno sostiene che sia un accordo di due anni, che potrebbe riguardare anche iniziative future, forse anche la sponsorizzazione di un tour. Ma su questo non ci sono conferme. Sicuramente Bono ha fatto sapere che questo è solo “il primo tassello di una collaborazione che trasformerà il modo in cui la musica è ascoltata e vista”.

Il 13 ottobre uscirà sia la versione fisica standard che il vinile e una versione tradizionale deluxe che conterrà una sessione acustica di brani selezionati dall’album più quattro canzoni inedite. Anche la copertina sarà diversa. L’album, registrato a Dublino, Londra, New York e Los Angeles, è stato prodotto da Danger Mouse, Paul Epworth, Ryan Tedder, Declan Gaffney e Flood e stilisticamente incrocia le primissime influenze musicali della band, dal rock e punk-rock anni 70 alla prima elettronica e musica ambient anni 80.

Foto Afp

L’autunno 2014 porterà con se anche i lavori di Gianluca Grignani, Mimmo Parisi & Marco Ligabue, i quali hanno fatto girare i loro singoli nella bella stagione come avamposti pentagrammati ad annunciare, per l’appunto, i cd post estivi. L’album di Mimmo Parisi, dopo ripensamento, si chiamerà “Questa non è la mia guerra”, in perfetto stile battagliero/combat rock come, già da qualche tempo, questo cantautore bolognese ci ha abituati.

Album in studio di Mango

(Da http://www.rockol.it/news-604389/mango-nuovo-album-l-amore-e-invisibile-intervista)

Sarà consegnato al mercato il prossimo 27 maggio il nuovo album in studio di Mango, “L’amore è invisibile”. Il disco è il secondo capitolo del viaggio alla riscoperta dei classici della canzone d’autore che Mango ha intrapreso, nel 2012, con il precedente “Acchiappanuvole” e contiene dieci… Leggi tutto

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Mango presenta 'L'amore è invisibile': 'Un caleidoscopio di intenzioni musicali'

 
 

Mango presenta ‘L’amore è invisibile’: ‘Un caleidoscopio di intenzioni musicali’

Sarà consegnato al mercato il prossimo 27 maggio il nuovo album in studio di Mango, “L’amore è invisibile”. Il disco è il secondo capitolo del viaggio alla riscoperta dei classici della canzone d’autore che Mango ha intrapreso, nel 2012, con il precedente “Acchiappanuvole” e contiene dieci reinterpretazioni di classici italiani ed internazionali, in aggiunta di tre brani inediti tra cui “L’amore è invisibile”: “Il disco prende il titolo proprio da questo brano, che riesce a racchiudere in sé l’intero significato di questo lavoro, una sorta di percorso senza punto d’arrivo”, spiega Mango a Rockol, “L’amore è invisibile perché è una continua ricerca, non è qualcosa di stabile: è la ricerca di un’appartenenza, un concetto molto importante per capire questo mio ventunesimo album in studio. Ecco, se c’è un filo conduttore che lega tra loro queste tredici canzoni è proprio la necessità dell’appartenere a qualcosa, a tutto quello che ci circonda in un determinato momento. E’ un tema interessante, che dal particolare si estende fino all’universale”. A detta dello stesso cantautore, “L’amore invisibile” può essere definito come un “caleidoscopio di intenzioni musicali, un dipinto cubista nel quale si abbracciano De André, i Beatles, Pino Daniele, gli U2, Battisti”; il tema dell’abbraccio emerge già dalla copertina del disco, come ci fa notare proprio Mango: “Tra i tanti progetti che mi sono stati presentati dall’artista che ha curato il booklet del disco, ho voluto scegliere questo – che ritrae due persone nel momento in cui si abbracciano – perché mi apparteneva di più e perché mi ha trasmesso lo stesso senso di calore che mi hanno trasmesso le canzoni che ho voluto reinterpretare in questo disco”.

 

“L’amore è invisibile” è prodotto dallo stesso Mango insieme a Rocco Petruzzi e Carlo De Bei, è stato registrato presso gli Isola Studios di Milano e missato presso gli Alari Park (Cernusco sul Naviglio, nella provincia milanese): “Non si tratta di un semplice album di cover”, ci tiene a a sottolineare la voce di “Lei verrà”, “ma di un vero e proprio album in studio di Mango. Mi sono approcciato a questi dieci brani cercando di coglierne il significato più profondo, il cuore; l’ho fatto svestendoli di tutto, con l’obiettivo di riuscire a rivivere la stessa emozione che hanno provato gli autori al momento della loro scrittura. Una volta colto il senso ultimo di ogni canzone, ho cominciato a rivestirla con abiti diversi rispetto a quelli originali: sono partito, insomma, da un’interpretazione soggettiva di ognuno di questi brani che poi si è tramutata in una reinterpretazione degli stessi. Sarebbe interessante poter far ascoltare agli autori di queste canzoni le mie reinterpretazioni, per scoprire cosa ne pensano del lavoro”. Il rischio di apparire, agli occhi del pubblico, come un semplice disco di cover, tuttavia, è molto alto (vista anche la popolarità dei brani che compongono la tracklist de “L’amore è invisibile” – si va da “Amore che vieni, amore che vai” di Fabrizio De André a “One” degli U2, passando per “Fields of gold” di Sting e “Scrivimi” di Nino Buonocore) e Mango ne è consapevole, ma sembra non curarsene più di tanto: “E’ vero, potrebbe succedere che il pubblico scambi questo album per un qualunque album di cover, ma non capisco perché dovrebbe farlo. So bene che il disco contiene brani già molto noti al pubblico, ma questi sono stati rivisitati in versioni totalmente inedite, nuove, quasi come se si trattasse di inediti”.

Per l’autunno o per fine estate, inoltre, si attende il nuovo album del cantautore Mimmo Parisi il quale, insieme a Marco Ligabue e Gianluca Grignani, ha licenziato come assaggio della nuova produzione, un singolo che, nel caso di Parisi, si chiama Dammi una mano.
(Sotto, un’immagine di Mimmo Parisi)
 
 

La rivelazione Dear Jack

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Svelata la tracklist del disco dei Dear Jack: 8 canzoni in “Domani è un altro film”Dear Jack pronti al rilascio dell’album d’esordio: svelata la tracklist.

2 maggio 2014 di Cinzia Del Prete
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Le canzoni incluse nel disco d’esordio dei Dear Jack saranno in tutto 8, incluso il primo singolo Domani è un altro film, lanciato ad Amici di Maria De Filippi e presentato per la prima volta nel corso del quinto serale.
Il disco d’esordio della band dei Dear Jack, capitanata dal giovane Alessio, uscirà su etichetta Baraonda e conterrà 8 tracce delle quali è stato divulgato il titolo.

Il CD si apre con Domani è un altro film, la traccia che già conosciamo e che vanta la firma di Piero Romitelli e la produzione di Francesco Kekko Silvestre dei Modà. Sfumata l’ipotesi Sony Music: l’appoggio da parte di Alessandra Amoroso non significa che il gruppo faccia parte della sua stessa etichetta discografica.

La seconda traccia inclusa si intitola Ricomincio da me e poi c’è Irresistibile, seguita da Anima gemella. La quinta traccia si intitola Wendy e poi abbiamo Esisti solo tu e La pioggia è uno stato d’animo. Ultima traccia, ottava canzone del disco d’esordio dei Dear Jack, è Una lacrima.
I titoli dei brani hanno rapidamente fatto il giro del web: tanta è l’emozione di conoscere le canzoni esatte che andranno a comporre il primo disco del gruppo più amato di Amici 13 e ancor più forte è quella di poterlo acquistare tra pochi giorni, il 6 maggio. Altre notizie arrivano dal fronte bolognese. Qui, per l’autunno o per fine estate, si attende il nuovo album del cantautore Mimmo Parisi il quale, insieme a Marco Ligabue e Gianluca Grignani, ha licenziato come assaggio della nuova produzione, un singolo che, nel caso di Parisi, si chiama Dammi una mano.

Hi John!

Fogerty John, in arte CCR

Fogerty John, in arte CCR

 

20/08/2014  |  News di Mimmo

Di Michele Primi
Ha invocato la pioggia di Woodstock e alla fine è arrivata. John Fogerty, 69 anni portati con grinta, capello tinto, voce intatta e camicia di flanella blu (in vendita nel merchandising), una raffica di chitarre Gibson, Fender e Ibanez con il volume alzato al massimo a tagliare assoli e una band di ragazzini (tra cui suo figlio Shane) che hanno imparato a suonare le canzoni dei Creedence Clearwater Revival prima di imparare a scrivere, ha rovesciato su Milano mezzo secolo di storia della musica popolare americana. Born on the Bayou, nato sul Bayou, il marchio di fabbrica delle paludi del Sud, tra Mississippi e Alabama, dove in realtà John non è nato, ma dove da sempre va a cercare le sue radici.
Come nel video di Mystic Highway dall’ultimo album del 2013 Wrote a Song for Everyone: lui a bordo di una Dodge rossa scassata in giro sulle strade dell’America profonda, tra boschi e pascoli, in mezzo ad altra gente vestita con la camicia di flanella come lui. John Fogerty in realtà è nato a Berkeley, è cresciuto nella San Francisco degli hippy e ha formato il suo spirito ribelle scappando dalla guerra in Vietnam, che lo ha lasciato vivo e con addosso solo la ferita della perdita di molti amici ed una canzone, Fortunate Son. Creedence era il suo compagno di scuola Creedence Newball, Clearwater la pubblicità di una birra, Revival tutto quello che aveva e che ha ancora da dire.
John Fogerty è figlio di quella generazione imbattibile, quella che ti fa dire “Ma come fa?”, suona con la facilità di chi non ha mai fatto altro ed è capace di far divertire chiunque, sia che si trovi davanti un raduno di cowboy del Texas che il pubblico inzuppato dell’Ippodromo di Milano. «Grazie per essere rimasti sotto la pioggia» dice dal palco. Non è mai stato qui, ma non importa. Come ha fatto il suo allievo prediletto Bruce Springsteen anni fa a San Siro sotto al diluvio (quando cambiò la scaletta per fare Who Will Stop the Rain dei Creedence), John ringrazia suonando ancora più forte: la pioggia comincia con Have You Ever Seen the Rain?, lui ha già fatto i classici Suzie Q, Green River e I Heard it Through the Grapevine e spara a raffica Down on the Corner, Up Around the Bend, Bad Moon Rising e Proud Mary, e poi se ne va. Senza aggiungere altro, perché di fronte alla storia non ce n’è bisogno.
La storia, in Italia, continua con il cantautore bolognese Mimmo Parisi. Per l’autunno, oltre alle gocce di pioggia per l’estate ormai fuori portata, aspettiamo di questo autore appassionato nuove canzoni. Come apripista conosciamo intanto le note e la storia di Dammi una mano, brano già presente sulla rete (anche con il video che possiamo vedere sul canale Youtube di Mimmo Parisi). Per quelli che, giustamente presi da attacchi di vacanzite acuta, non hanno avuto orecchi ed occhi per le novità, ricordiamo che Dammi una mano ha come tema principe, la disabilità. Soprattutto da parte di chi pensa che il mondo sia un luogo dove starsene senza essere convocati dai problemi veri.

Il rock dei cantautori italiani

Cantautori rock
Grignani, Parisi & Ligabue

Marco Ligabue, fratello del più noto Luciano, ha rilasciato il primo singolo che farà parte del cd che sarà lanciato nel post estate. La canzone si chiama “Ti porterò lontano” ed è disponibile sui principali digital store. Il brano si avvale di un videoclip diretto da Maurizio Bresciani e visibile su Youtube e realizzato negli Usa. Marco Ligabue ha dichiarato su Facebook che, in una società che vuol plagiarti, spesso gli succede di voler fuggire senza nemmeno la valigia. Il cantautore di Correggio fa notare come uno dei meccanismi che incatenano l’individuo in modo errato a questo mondo che passa il minimo sindacale, è il fatto che ‘qualcuno’ ci convinca che esista un unico colore e un unico modo di intendere la vita. Questo porta la persona ad abbassare gli occhi. Ci vuole poco però, alzando gli occhi, per rendersi conto che mille sfumature sono pronte a colorare l’esistenza.

Per il cantautore Mimmo Parisi e per la sua Stratocaster Marshalldipendente è disponibile sui digital store “Dammi una mano”, brano che anticipa l’album d’autunno che titola “La polvere del ring”.

Sul suo canale Youtube è possibile anche vedere il videoclip associato al brano. La canzone ha come tema il ‘curioso atteggiamento’, giusto per usare un eufemismo, di chi si interessa di fatti importanti usando una profonda superficialità. L’ossimoro si impone perché esistono personaggi che creano continuamente neologismi improbabili per indicare disturbi e patologie che avrebbero bisogno di altra attenzione.

Cosa c’è di inaccettabile nelle parole cieco, sordo, zoppo o altro? Questi ‘studiosi’ apparentati all’Accademia della Crusca sono dei giocolieri della parola, essi inventano termini e perifrasi pensando di poter modificare la realtà. Così, dopo gli audiolesi, sono nati i visulesi!

Le parole non possono modificare la sostanza delle cose: ciechi e non vedenti sono sinonimi e non muteranno di una virgola lo status dei fatti. Per contro, se qualcuno ha bisogno, diamoci da fare… ma per favore: non a parole! Ecco, questo è il filo conduttore della canzone “Dammi una mano” del cantautore rock bolognese Mimmo Parisi.

Io nella vita ho qualcosa da dire/ io nella vita non sono un bluff/ tu prendi il diavolo per la coda/ ma esser famosi è già fuori moda per me/ e non c’è più niente da dire/ e non c’è più niente da capire perché quando l’ostacolo è solo un nuovo gioco politico tutta la gente va in panico ed io mi agito e non mi va di essere normale“.

Queste parole appartengono invece a Gianluca Grignani, cantautore appena assurto agli onori della cronaca per lo scontro con alcuni carabinieri. La canzone è “Non voglio essere un fenomeno”, brano apripista per il cd d’autunno “A volte esagero”.

Che dire? Testo e titoli sembrano una premonizione di ciò che gli è capitato. Tuttavia e al di là della cronaca va detto che Grignani è un artista che ha fatto della sincerità la sua bandiera. Va ricordato come, tempo fa, ospite in una delle trasmissioni della De Filippi (quale? E chi lo sa… Tra amici, poste, uomini, donne, nonni ringalluzziti e talent per ogni uso ed evenienza, vai a capire quale fosse!), comunque in quell’occasione alla domanda su come cantare meglio, il cantautore rispose in modo spiazzante: “Ah, io faccio come mi viene, non sto mica lì a perdere ore”, concluse ridendo.

A conti fatti, dopo questa estate tutto sommato scarsa di sole, si preannuncia l’arrivo di un autunno di cd roventi.

Diego Romero, blogger

A lesson of circle picking

INTRODUCTION:
(Here, original article: http://circlepicking.blogspot.it/)
 
Picks are usually gripped with two fingers—thumb and index—and are played with pointed end facing the strings. However, it’s a matter of personal preference and many notable musicians use different grips. For example, Eddie Van Halen holds the pick between his thumb and middle finger (leaving his first finger free for his tapping technique); James Hetfield, Jeff Hanneman and Steve Morse hold a pick using 3 fingers—thumb, middle and index; Pat Metheny and The Edge also hold their picks with three fingers but play using the rounded side of the plectrum. George Lynch also uses the rounded side of the pick. Stevie Ray Vaughan also played with the rounded edge of the pick, citing the fact that the edge allowed more string attack than the tip. His manic, aggressive picking style would wear through pickguards in short order, and wore a groove in his Fender Stratocaster, Number One, over his years of playing. Jimmy Rogers and Freddie King had a special kind of technique utilizing two picks at once. Noted 80’s session guitarist David Persons is known for using old credit cards, cut to the correct size, angle, and thickness and using them without a tip.
The motion of the pick against the string is also a personal choice. George Benson and Dave Mustaine, for example, hold the pick very stiffly between the thumb and index finger, locking the thumb joint and striking with the surface of the pick nearly parallel to the string, for a very positive, articulate, consistent tone. Other guitarists have developed a technique known as circle picking, where the thumb joint is bent on the downstroke, and straightened on the upstroke, causing the tip of the pick to move in a circular pattern, which can allow speed and fluidity. The angle of the pick against the string is also very personal and has a broad range of effects on tone and articulation. Many rock guitarists will use a flourish (called a pick slide or pick scrape) that involves scraping the pick along the length of a round wound string (a round wound string is a string with a coil of round wire wrapped around the outside, used for the heaviest three or four strings on a guitar).
The two chief approaches to fast picking are alternate picking and economy picking. Alternate picking is when the player strictly alternates each stroke between downstrokes and upstrokes, regardless of changing strings. In economy picking, the player will use the most economical stroke on each note. For example, if the first note is on the fifth string, and the next note is on the fourth string, the pick will use a downstroke on the fifth string, and continue in the same direction to execute a downstroke on the fourth string. Some guitarists learn economy picking intuitively and find it an effort to use alternate picking. Conversely, some guitarists maintain that the down-up “twitch” motion of alternate picking lends itself to momentum, and hence trumps economy picking at high speeds.
 
CIRCLE PICKING:
 
 
First off, by holding the pick between your thumb and index finger, draw a small imaginary circle (about 1/3″ in diameter) with the tip of the pick. Make sure that you’re not moving your wrist, but just your thumb and finger…just like you were drawing the circle with a pen.
 
Next grab your guitar, choose a single string and start picking the string down and up in standard fashion by moving your wrist; floor to ceiling. As you’re picking down and up, start “drawing the circle” and you should notice that you’re now striking the string twice as many times as you were without the circle! Now practice on the other strings with scales etc., and add this to your bag of tricks!
 
You can also strum full chords using this technique by simply drawing a bigger circle. This gives you an almost harp like quality to your strum…very different sounding! You can hear Roy Buchanan himself using this technique on the song “Thank you Lord” on his album release “Roy Buchanan Second Album”.
Here Mimmo Parisi, Italian guitar player, in action

Jagger o Monti?

Mick Jagger e Mario Monti

Chi è quest’ultimo? E’ presto detto. Il signore in questione risponde al nome di Mario Monti, ex Presidente del Consiglio in uno dei periodi più bui del pianeta Italia. Periodo lugubre anche grazie a lui. Perché, per assurda ipotesi, Marcel Duchamp dovrebbe far entrare in collisione i nostri due? Intanto per una questione anagrafica. Anno più anno meno, Mick e Mario viaggiano intorno alle 70 primavere.

Fa uno strano effetto giudicarli sotto questo punto di vista: ve lo immaginate Monti a sculettare come fa tuttora Jagger? Farebbe, probabilmente ridere polli e tacchini. O forse no. Non ci pare, dopo la prova del suo passaggio, che il signor Tempi duri, sia capace di far ridere alcuno. Con una certa percentuale (altissima!) di sicurezza si può affermare che questo personaggio sia capace solo di far piangere. Anche se si mettesse a sculettare e a far mossette, nel pubblico si diffonderebbe solo una crisi di pianto per i tempi duri che gli alitano intorno come la nuvola fantozziana.

Insomma, per quanto Mick Jagger non sia salvatore del mondo, sicuramente è molto ma molto più onesto e portatore di speranze del signor Tempi duri e del suo scellerato Governo.

A proposito, qualcuno ricorda ancora i nomi di quegli eroici (…ovviamente sulla pelle degli altri!) imbonitori del tutto incapaci di capire cosa avrebbero dovuto fare quando furono interpellati dal (si fa per dire) miglior presidente della Repubblica di sempre? Rinfreschiamoci le idee.

Ovviamente, visto che i Tempi duri non appassionano, ne citeremo solo qualcuno fra i “migliori”. Ad esempio il ministro Corrado Clini all’Ambiente, Tutela del Territorio e del Mare. Di memorabile, intorno alla sua persona e in piena crisi mondiale, è rimasto il fatto di essere stato beccato a dormire in un albergo da 1200 euro a notte. Soldi suoi ovviamente. Anche l’incapacità di capire che non era il caso è suo, ovviamente. Non fosse altro che per rispetto a chi dormiva con i figli in macchina (e continua a farlo). Al Lavoro e alle Politiche sociali con delega alle Pari opportunità vi era invece il ministro Elsa Fornero. Indimenticabili le sue lacrime di coccodrillo fuori luogo. Al posto di annunciare che in un momento storico particolarmente depresso lei e tutta la combriccola si sarebbero astenuti da stipendi vari, a cominciare da quello universitario, visto che la nave Italia stava affondando (stava?), disse semplicemente che per il popolo si prospettavano tempi disperati. Sul vice ministro Michel Martone, si stende un velo plumbeo.

A proposito, come mai i tempi duri appartengono sempre e solo al popolino? Perché se il falegname sbaglia le misure di una porta è costretto, dietro giusta minaccia, a riparare il risultato impietoso della sua scarsa preparazione, e tutto quel Governo brancaleone non ha pagato un euro per la sua clamorosa “invenzione” parabiblica: gli esodati? Perché nessuno li interpella, hanno sbagliato: non se ne è accorto nessuno?

A proposito di Tempi duri, ascoltate l’omonimo brano del cantautore di matrice hard rock Mimmo Parisi, link http://www.youtube.com/watch?v=rQEugYXOL40.

Diego Romero, giornalista freelance

Settembre, l’uscita di ‘Lullaby And… The Ceaseless Roar’

 

La leggendaria voce dei LED ZEPPELIN, Robert Plant è in procinto di uscire con un nuovo album di inediti intitolato “Lullaby And… The Ceaseless Roar” la cui data di pubblicazione è fissata per il prossimo 9 Settembre su Nonesuch / Warner Bros. Records. Il disco è stato prodotto dallo stesso Plant è inaugurerà anche il debutto della casa discografica del cantante. L’uscita sarà composta da undici canzoni, nove delle quali sono pezzi inediti scritti da Plant e la sua band THE SENSATIONAL SPACE SHIFTERS.

I preordini sono già disponibili attraverso il sito ufficiale del cantante.

Un nome, una storia, ispirazione e guida di tanti neo-artisti e cantanti: Robert Plant.

Ognuno commemora la sua attività di musicista come meglio crede, però non si può assolutamente negare che il suo carisma l’ha contraddistinto più di qualsiasi altro pregio che quest’uomo possa avere. Con la sua ecletticità, il suo aspetto selvaggio, le pose e i suoi riccioli d’oro, ritorna in Italia dopo il sensazionale tour estivo del 2013, in tre date: 11 luglio al Pistoia Blues Festival, il 12 luglio alla Cavea dell’Auditorium Parco della Musica di Roma e il 14 luglio all’Anfiteatro Camerini di Piazzola sul Brenta (Padova).

A sessantacinque anni, Robert Plant non smette di comporre e sembra che abbia ancora tanto da dire e molto da insegnare alle giovani leve del rock contemporaneo. Il tour Europeo del 2014 è un omaggio alla sua carriera, ma più che altro è uno schiaffo a chi dice che ormai non gli resta che andare in pensione. Salirà sul palco con la sua nuova band dei Sensational Space Shifters per promuovere l’imminente uscita del suo ultimo album che lui stesso ha definito “un mix di urban trance music psichedelica contaminata dal Blues del Delta e dallo spirito dei Led Zeppelin”.
Non mancheranno , infatti, riarrangiamenti di celebri track del gruppo britannico pionere del rock, come Black Dog, Whole Lotta Love e Rock And Roll.

Ad aprire tutti i suoi concerti saranno i North Mississippi Allstars, band rock’n’roll con richiami blues.

Dichiarato il più grande cantante solista di tutti i tempi, Robert Plant continua ad affascinare grandi e piccoli, perché nella sua voce dal timbro rock blues, viene raccolto tutto il passato dei Led Zeppelin, che in molti ricordano con nostalgia.

Diego Romero, blogger

Vivan Campbell, breve presentazione

Credo che spetti un posto a questo chitarrista Heavy Metal che negli anni ’80 ’90 ha militato nella band di Ronnie James Dio, Whitesnake, Def Leppard e tante altre collaborazioni. Pensate solo che quando R.J.Dio lo chiamò nella sua band, aveva appena 19 anni e venne considerato già un talento all’epoca! Basti vedere “Dio-Live in Holland” e notare come i suoi soli sono taglienti e potenti almeno per quei tempi.

Ecco qualche stralcio sull’esperienza fatta nella band di Dio: “Anche quando ero nella band con Ronnie, tanti anni fa, non abbiamo mai avuto grandi rapport oltre la musica. Eravamo on stage insieme, registravamo e scrivevamo musica insieme…era una strana relazione tra noi. Ci sono stati un sacco di fraintendimenti e poca comunicazione fra noi, io credo fosse un problema generazionale. Ronnie era più vecchio di me e penso che avesse molta difficoltà a comunicare con me. Molte persone hanno creduto per anni che sia stato io a lasciare la band, cosa non vera. Sono stato licenziato, non avrei mai volute uscire dalla band di Dio. Non avevo ragioni per contattarlo dopo essere stato licenziato, non l’ho nemmeno mai più visto né ho più parlato con lui. Lui, a sua volta, non mi ha mai contattato. Sono molto fiero dei dischi che abbiamo registrato insieme, ma non si può cambiare il passato, bisogna guardare avanti.”
 
Diego Romero, giornalista web
 

Edward Lodewijk, detto Eddie van Halen

 

Eddie_Van_Halen Edward Lodewijk, detto Eddie van Halen, nasce ad Amsterdam, il 26 gennaio del 1955. Chitarrista e compositore olandese, ormai statunitense d’adozione, è il leader dello storico gruppo rock omonimo, definito come uno dei più grandi di sempre. Al suo nome è accostata la tecnica chitarristica del “tapping”, di cui si dice sia stato l’inventore. In realtà, il bravo chitarrista l’ha perfezionata, facendola diventare una parte fondamentale del rock in genere e di tutti quegli assolo di chitarra che si dicono comunemente “rock”, “hard rock” ed “heavy metal”, dando al “numero”, per così dire, anche dei fondamenti armonici.

 

Nella famiglia van Halen la musica è qualcosa di più di un semplice hobby. Sin dai tempi di Nimega, città dei Paesi Bassi nella quale il piccolo Eddie vive fino all’età di sette anni, nella loro casa si sentono suonare diversi strumenti. Il padre, tra l’altro, che alleva praticamente da solo tutti i suoi figli, è un buon musicista jazz. Il futuro leader dei Van Halen comincia dal pianoforte, si accosta alla batteria ma è all’età di dodici anni incontra il suo grande amore: la chitarra. È il fratello maggiore Alex a fargliene dono. Questi, al momento di formare il primo gruppo, passa alla batteria, mentre il terzo figlio dei van Halen si dà da fare come tecnico.

Nel 1962 si trasferiscono negli Usa, a Pasadena. I futuri fratelli Van Halen apprendono a piene mani da gruppi come i Beatles e i Led Zeppelin. Tuttavia, di grande ispirazione per Eddie si rivelano i Cream di Eric Clapton e, soprattutto, il modo di suonare di un altro grande della chitarra, Jimmy Page. Si racconta che il chitarrista dei futuri Van Halen abbia “creato”, per così dire, il tapping, proprio durante lo studio di un brano di Page. Non riuscendo a farlo proprio, avrebbe cominciato a battere con entrambe le mani sulla tastiera della chitarra, ottenendo quella serie di intervalli ampi e febbrili, di cui si dice che il musicista olandese sia stato l’inventore. In verità, come già detto, esempi di tapping, benché in forma differente, si hanno già nel secolo XIX, come nel Capriccio n. 24 del grande Niccolò Paganini. Barney Kessel, jazzista straordinario, ne dà un saggio in alcune sue esibizioni dal vivo, datate anni ’60. Stessa cosa avrebbe fatto il chitarrista dei Genesis Steve Hackett, nel brano “Dancing With The Moonlit Knight”.

 Ad ogni modo, è solo intorno al 1975, dopo l’incontro con il bassista Michael Anthony e con il cantante David Lee Roth, che nasce un vero e proprio gruppo. Da principio, si chiama “Mammoth”, mentre sarebbe stato solo successivamente, in occasione del loro primo contratto, che si sarebbero dati il nome di “Van Halen”. A scoprirli, è il bassista dei Kiss, Gene Simmons. Questi li mette in contatto con la famosa casa Warner. Nel 1978 esce il loro primo album, ad oggi il più bello della storia della band. Si intitola semplicemente “Van Halen”, e contiene alcuni dei brani che hanno reso celebre il chitarrista Eddie, come “Eruption”, nel quale il tapping la fa da padrone.

 

Il successo è istantaneo. Lo stile innovativo, il talento di Eddie e la grande capacità da frontman di Roth, carismatico e vero animale da palcoscenico, si rivelano vincenti.

 

L’anno dopo pubblicano l’album “II”, il quale contiene il singolo di successo “Dance the night away”, mentre è del 1980 il loro album meno commerciale, ma molto sperimentale: “Women and children First”. Quest’ultimo lavoro contiene un altro singolo molto apprezzato, “And the cradle rock”.

 

Nel 1981 Eddie Van Halen sposa l’attrice Valerie Bertinelli, dalla quale ha un figlio nel 1991, che chiama, in onore del grande compositore austriaco Mozart, Wolfgang.

 

Nel 1983, a conferma del loro successo, i Van Halen si guadagnano una voce sul Guinness dei Primati per l’apparizione più pagata nella storia (almeno fino agli anni ’90). All’US Festival, il cachet dei Van Halen è di 1 milione di dollari. Quello stesso anno però il produttore della Warner ed Eddie litigano e decidono di separarsi. Il chitarrista e leader della band vuole più indipendenza nella composizione e dà vita, proprio per questo, ai “5150 Studios”, sede di tutti gli altri album dei Van Halen. La scelta si rivela azzeccata e nel 1984 esce l’album “1984”, l’unico in grado di avvicinarsi al successo del loro disco d’esordio. Qui, Eddie suona anche le tastiere e il loro singolo, “Jump”, in breve tempo balza in testa alle classifiche.

 

All’apice del successo però il cantante Dave “Diamond” Roth lascia la band, per dedicarsi alla propria carriera da solista. Nel 1985, la scelta del nuovo cantante ricade su Sammy Hagar, proveniente dai Montrose. Il nuovo sodalizio dura undici anni. Il loro primo album di questo periodo si chiama come gli studios appena nati: “5150”, datato 1986. È il disco più venduto dell’era Hagar ed è anche il primo album a raggiungere la prima posizione in classifica, almeno negli Usa.

 

Escono “Why Can’t This Be Love, OU812” nel 1988 e “When It’s Love”, ma è solo con “For Unlawful Carnal Knowledge”, nel 1991, che la band torna sulla cresta dell’onda. Questo disco, è l’unico che permette alla band di Eddie Van Halen di aggiudicarsi dei premi, come il “Grammy Award” per il migliore album Hard Rock dell’anno, oltre al riconoscimento di miglior video datogli dal canale MTV per il singolo “Right Now”. Di questo periodo è anche il loro unico disco live.

 

Nel 1996 arriva un nuovo cambio. Mentre la band registra la colonna sonora del film “Twister”, il cantante Sammy Hagar viene escluso dai lavori. Due anni dopo, viene scelto Gary Cherone, proveniente dagli Extreme. La scelta non si rivela vincente. L’album “Van Halen 3”, sperimentale, scontenta i fan, vendendo di meno dei precedenti. Di lì a poco il gruppo si scioglie, dopo un concerto tenuto alle Hawaii, anche a causa dei problemi di salute di Edward Van Halen.

 

Si capisce ben presto che senza un frontman di grande livello la strada per ritornare in vetta è piuttosto dura. Nel 1996 allora, il gruppo cerca di riavere il suo cantante storico, David Lee Roth, che ritorna in un loro lavoro con un suo contributo vocale, comparendo in due brani della raccolta “The Best of Van Halen, Vol. 1”. Ma i litigi riprendono e il gruppo non riesce a ricomporsi.

Passano diversi anni, fino a che non si riprova con Hagar, richiamato nel 2003 per l’album “The Best of Both Worlds”, una raccolta di successi con l’aggiunta di tre nuovi inediti con Hagar alla voce.

 

Sembra la strada giusta, e il tour 2004, con Hagar in prima linea, si rivela positivo, dando alle casse della band oltre 55 milioni di dollari. Tuttavia, è proprio in questi anni che Eddie comincia ad avere seri problemi con l’alcol, cosa che causa anche la definitiva uscita di scena di Hagar.

 

Nel 2006, il bassista Michael Anthony viene cacciato dal gruppo. Al suo posto arriva il figlio di Eddie, Wolfgang Van Halen. Inseriti nella Hall of Fame nel 2007, i Van Halen annunciano proprio in quell’anno che il loro leader si trova in un centro, per riabilitarsi dalla dipendenza dall’alcol. Quello stesso anno, il chitarrista e la moglie divorziano definitivamente.

 

Ad oggi i Van Halen sono una delle cinque band rock di sempre, ad aver composto più di un album registrato in studio che è riuscito a vendere oltre 10 milioni di copie negli Usa. Mentre Eddie Van Halen è considerato dalla rivista Rolling Stone alla posizione numero 70, in una classifica che comprende 100 tra i migliori chitarristi della storia. Inoltre, lo storico giornale ha dichiarato l’album d’esordio che porta lo stesso nome della band, tra i migliori 500 di sempre.

Ricky dei New Trolls

Ricky Belloni presenta Rock-in heaven

 Ricky Belloni, chitarrista e voce solista dei New Troll, oggi mi parla a nome dei compagni e ci racconta. Lo affiancano Gianni Belleno alla chitarra, basso, batteria e voce, autentico membro fondatore del gruppo originale, con Giorgio Usai, tastierista e vocalist. Ci sono anche Andrea Cervetto, basso, chitarra e voce e Alex Polifrone, batteria e voce, due amici di lunghissima data. Mi piace aggiungere, dopo averli sentiti dal vivo, che hanno saputo evolversi in modo straordinario e che sono magnifici!

Mi spieghi da dove salta fuori il nome?
Mito New Trolls ?l nome del gruppo sopravvissuto a una delle venti scissioni che ci sono state. Abbiamo cambiato pelle tante volte, sono successe mille cose nella nostra vita ma ora siamo qui e usiamo il richiamo del nome antico della band a buona memoria. Un pezzetto di una delle scissioni si era fregiato del nome originale, ma ora abbiamo vinto la causa. Esiste un sito internet che deve ancora essere aggiornato ma ormai questo nome è soltanto nostro. Del gruppo originale, nato nel 1967, siamo in tre discendenti e facciamo tutti i pezzi che abbiamo sempre fatto. Mi riferisco a me e a Gianni Belleni, che suona batteria, basso, chitarra e canta e ad Andrea Cervetto alla chitarra, al basso e canta. Alex Polifrone suona la batteria ed è anche musicista del gruppo TGP.

Chi sono i TGP?
TGP, acronimo di The Global Performance, un gruppo musicale con dei progetti: coro gospel con cinque musicisti per proporre il nuovo gospel contemporaneo da confrontare a quello tradizionale. Il TGP propone brani molto moderni ma con una vocalità gospel. Noi rientriamo in questo progetto perch?oro si sono avvicinati alla nostra musica, molto corale, perchè secondo loro si avvicina al loro genere. Noi siamo sempre stati molto vocali e, con un coro di 25 persone, i nostri brani diventano più interessanti. Poi abbiamo aggiunto degli inserti che non esistevano degli arrangiamenti dei nostri brani.

Come vi presentate al pubblico?
Lo spettacolo inizia con loro, che propongono alcuni brani del gospel contemporaneo. Poi entreremo noi in un loro brano, in cui ci inseriremo e infine facciamo i nostri pezzi, in cui loro non possono interagire perchè non è il loro genere. E poi faremo un gran finale.

Trovi meglio lavorare con altri sullo stesso palco?
E’ sempre interessante interagire con altre entità. Si rischia di chiudersi nel proprio ghetto, a lavorare sempre soli, mentre invece altre persone ti possono dare stimoli diversi. E cresci. Nell’ambito musicale non ci si ferma mai, anche se non ne avremmo bisogno. Noi siamo un cantagruppo, abbiamo scritto canzoni per altri, come Mina, Drupi, Anna Oxa e continuiamo a farlo perchè proprio gli stimoli ci aiutano e sono ben accetti.

Davvero? Per esempio?
Lavorare con altri fa venire voglia di creare di più perfino oltre noi stessi. Le collaborazioni, le aperture verso altri artisti che magari la pensano diverso da te, possono aprire soglie che non avevi mai pensato di varcare. Credo che sia il sale della vita musicale di qualsiasi artista o musicista. Chiudersi nelle torre d’avorio fa male: se non hai scambi di idee, non riesci a crescere. Da soli la strada finisce, prima o poi, a meno che tu non sia un genio universale.

Dopo queste due date milanesi che farete?
Questi due concerti hanno una funzione di apripista. D’estate saremo in tour e in prospettiva c’è la possibilità di un tour il prossimo inverno nei teatri.

Qual’ è la cosa bella del concerto Rock-in heaven?
E’ una sperimentazione: più arrivano gli applausi, più viene voglia di andare avanti. Noi abbiamo la fortuna di possedere uno zoccolo duro di fans, formatosi in tre generazioni e i più giovani si stupiscono. Arrivano e ci dicono: Credevamo che le vostre canzoni fossero carine e leggere? perchè nessuno sapeva veramente quello che davvero possiamo fare in concerto, con brani come Le Roi Soleil, Dancing, che sono delle suite molto variegate, senza seguire i soliti canoni delle canzoni. Oppure con Concerto Grosso. Rimangono un po’ stupiti.

Pensi che cambieranno ancora, i componenti della band?
A questo punto ci sentiamo consolidati. Per fare musica in un gruppo bisogna essere, oltre che tutto il resto, delle belle e brave persone. Per convivere, capisci? E adesso siamo come in un nirvana, stiamo bene, usciamo assieme; se ti vedi solo per fare i concerti vuol dire che c’è qualcosa che non va.

Cosa vorreste fare d’altro?
In questo momento ci piacerebbe andare all’estero, nei Paesi dove non ci hanno mai conosciuto veramente cioè l’est: Russia, Ucraina, anche perchè il nostro manager viene da quelle parti. Un nostro brano, Carezza della sera, è stato rifatto in modo più punkeggiante e cerchiamo di pubblicarlo in Germania, sperando di avere un buon riscontro e magari richieste di concerti live. Il nostro lavoro fare canzoni, registrarle, fare concerti. Tutto quello che si può fare per ampliare i propri confini è ben accetto.

RomanticaMENTE

Ecco, in maniera estremamente sintetica, l’aggiornamento sull’ultima pubblicazione di Parisi. il brano si chiama “Ti amo perché”.

Se dovessi scegliere tra il tuo amore e la mia vita, sceglierei il tuo amore, perché è la mia vita.

(Jim Morrison)

Ti amo perché, perché sei grande festa sei Natale. Ti amo perché, perché sei la candela accesa nel mio temporale.

(Mimmo Parisi)Ti amo perché500jpg

“Ti amo perché” è una canzone scritta da C. Parisi. Arrangiata, suonata e interpretata interamente dall’autore in home recording. E’ presente nei principali digital stores come ReverbNation, Jamendo, SoundCloud etc.

“Ti amo perché (I love you because)” is a song written by C. Parisi, know. Arranged and performed entirely by the author in home recording. And ‘present in the major digital stores like ReverbNation, Jamendo, SoundCloud, etc.

Giovanni Contini, collaboratore web e giornalista freelance

Tutti milionari

Incredibile, la Sinistra (!) ha riferito di essere scandalizzata dalle parole di Piero Pelù e, come già il signor Matteo Renzi in altre occasioni, riferendosi a chi gli darà filo da torcere alle europee, lo ha definito “Un milionario che critica gli 80 euro”

Di questo passo gli italiani, anche se in questo caso eccellenti come Grillo prima e Pelù dopo, sarebbero tutti milionari. Bene, allora a che cazzo di gioco si gioca? Se tutti si ha i soldi dove è la crisi? Ah già, è vero, ci sono quei poveri manigoldi dei politici che non riescono a tirare avanti. Poverini e tapini! Ma chi può credere veramente che Pelù sia milionario? Nè, probabilmente, lo è Grillo. Gli 80 euro sono un chiaro tentativo di comprarsi i voti di quei poveri votanti che sbagliano sempre a chi dare il loro apporto. Quando dal palco del concertone del Primo maggio attaccavano Berlusconi andava tutto bene. Ora che governa la sinistra nessuno può fiatare. E il Pd fa quadrato contro Piero Pelù.

 
 

Fanno ancora discutere le parole di Piero Pelù, che dal palco del “concertone” del Primo maggio, a Roma, ha preso di mira il presidente del Consiglio. Prima definendolo “boyscout di Licio Gelli”, poi attaccando la misura dell’esecutivo a cui il premier più tiene, gli ottanta euro in busta paga in più a chi guadagna fino a 1500 euro al mese.

 

Il rocker fiorentino ha detto: “Non vogliamo elemosine da 80 euro, vogliamo lavoro…”. E dalla folla di giovani e meno giovani accalcati in piazza San Giovanni si è alzato un boato.

Fuori dal palco, con l’adrenalina ancora alta, Pelù ha detto:Pagherò le conseguenze di quello che ho detto ma non me ne frega nulla. Questi ragazzi hanno bisogno di sentire qualcuno che dica certe cose. Ormai i mezzi di distrazione di massa sono compatti sulla propaganda. Ci vuole una voce fuori dal coro”. 

Ovviamente le parole di Pelù non sono passate inosservate. E sono arrivate moltissime prese di posizione. Alessandra Moretti (Pd): “Sarebbe bene che comici e cantanti si occupassero del loro mestiere”. E subito dopo ha contestato il fatto che gli 80 euro siano stati definiti come “un’elemosina quando ci sono persone che potranno fare una spesa in più a settimana”. Pina Picierno affida la sua replica ad una battuta: “Quando la politica va veloce succede che il rock diventa lento”. Poi rincara la dose: “Probabilmente Pelù era impegnato in una registrazione di The voice e non si è accorto di quanto stava avvenendo nel nostro paese, forse non sa che gli 80 euro che il governo Renzi ha deciso di redistribuire a chi ha sempre pagato non sono un’elemosina come l’ha definita lui, ma il primo passo verso l’equità sociale che noi del Pd vogliamo assolutamente riportare in questo paese. Mi dispiace, conclude la Picierno, che a dire no a questi 80 euro sia una persona fortunata e benestante grazie al suo talento. ogni tanto però bisognerebbe uscire dai panni del rocker milionario e indossare quelli di chi vive con mille euro al mese”.

Il deputato Dario Ginefra (Pd) se la prende con Cgil, Cisl e Uil, organizzatori del concerto: “Io non ho votato per Renzi al congresso e a volte non ne condivido il modo di fare, ma trovo le parole di Piero Pelù offensive per l’intero popolo democratico. Attribuire a Renzi, dopo due mesi di Governo, le responsabilità della crisi economica, sociale ed occupazionale di oggi è stato atto di disonestà intellettuale – osserva Ginefra -, accostarlo alla figura di Gelli dileggiando anche il movimento scoutista una pessima forma di protagonismo.

Giudizio critico della faccenda: finitela, eredi dei democristiani mascherati da sinistroidi per niente credibili, e ascoltatevi “Arrendetevi siete circondati” di Mimmo Parisi: (http://www.jamendo.com/it/track/1116092/arrendetevi-siete-circondati), forse qualcosa vi sarà più chiaro!  

Marco Dante, blogger

Il rock bussa con Portera e Parisi

(A cura di Diego Romero, blogger)

Ricky Portera, il 27 Maggio esce il nuovo album “Fottili”

La rete annuncia un grande ritorno. A distanza di 7 anni dalla sua ultima pubblicazione si ripresenta sul panorama musicale internazionale Ricky Portera un artista
straordinario nella sua completezza che ha per lunghi anni  calcato i palchi con il grande Lucio Dalla. Un mito della chitarra per genialità ed espressività , che ha  saputo  in questo nuovo lavoro dal titolo “Fottili” confezionare e realizzare sapientemente un progetto ambizioso. La sua voce particolare, miscelata ad arrangiamenti calibrati, non possono passare inosservati anche per la squisitezza dei testi e dei suoi assoli sempre sopra le righe. Ospiti importanti hanno dato il loro  prezioso contributo, Gaetano Curreri , PierDavide Carone, Pino Scotto, Andrea Innesto (Cucchia), Claudio “Gallo “ Gollinelli…. solo per citarne alcuni. La produzione discografica è a cura di Beppe Aleo per Videoradio.

Portera

In uscita il 27 Maggio!

Novità anche per Mimmo Parisi, rockantautore e chitarrista ispirato. Vale la pena ricordare che è stato proprio big Ricky uno dei miti di Parisi, e lo è ancora, ovviamente. Mimmo Parisi, chitarrista di notevole sensibilità e di carattere, unisce una grande melodicità ad una tecnica sempre in evoluzione e fa del suo strumento un efficace mezzo di comunicazione emozionale. Ha fondato in passato alcune band, collaborando con diversi altri musicisti. E’ appassionato non solo della sei corde, che comunque funziona da base quasi in tutte le sue proposte compositive, ma anche, e non poteva essere diversamente per uno che ha iniziato prestissimo a comporre, dei più grandi cantautori italiani, da Ron a Finardi, da De Gregori a Venditti, da Paola Turci a Loredana Bertè e, tutti i grandi chansonnier francesi passando, ovviamente, dal cantautorato mondiale che ha fatto e fa uso del linguaggio rock.


L’ultimo suo album si chiama “Et c’est passé” ed è ascoltabile, con possibilità aggiuntiva del free download per chi lo desidera, qui: http://www.jamendo.com/it/list/a133344/et-c-est-passe

 

 

Gli “Heroes” ci sono ancora

(Presentazione e selezione degli aggiornamenti dal web a cura di Diego Romero, giornalista freelance)
Si chiama “Heroes”, il nuovo singolo di Gianluigi “Cabo” Cavallo, voce dei Litfiba dal 2000 al 2006 (4 dischi d’oro, oltre 200.000 copie vendute). Il titolo è tutto un programma e potrebbe essere, senza modestia paventata, un segno verbale autocelebrativo. Eroi lo siamo del resto tutti. Di alcuni sono raccontate le gesta in forma pubblica, di altri in forma privata e minimalista, della serie che tu sia bravo lo sa il salumiere, il barbiere e l’orologiaio sotto casa, ah, anche la nonna. Cabo Cavallo è indubbiamente uno degli artisti più sottovalutati di questa Italia piagnona. Comunque il videoclip di “Heroes” è stato inaspettatamente pubblicato su Youtube da meno di una settimana rompendo un silenzio discografico che durava da 7 anni. La reinterpretazione del classico di David Bowie, un omaggio al Duca Bianco in occasione del suo sessantasettesimo compleanno, è dedicata a tutti i fans che in questi anni di assenza dal palco hanno continuato a invocare a gran voce il ritorno dell’ex voce della rock band toscana.
Il primo singolo solista di Gianluigi Cavallo è dedicato a tutti quelli che sono rimasti legati ai suoi trascorsi artistici ed hanno continuato a seguirlo con affetto. Quella che da molti viene considerata la voce più bella del rock italiano del nuovo millennio, ha coinvolto nella registrazione del brano e nella realizzazione del video proprio loro: i suoi sostenitori, che elevati al ruolo di protagonisti, hanno suonato nel brano, preso parte alle riprese, ed inviato contributi video da tutta Italia, abbattendo le convenzionali barriere fra “artista” e “fan”.
Il brano è stato lanciato senza il supporto di nessuna radio, televisione o giornale, ma unicamente tramite una dedica postata sul suo profilo personale Facebook: “Vi Cercavo. Sempre. Ogni volta da sopra o sotto il palco, io vi cercavo e …Voi c’eravate. […] Eravate lì per cantare, urlare, saltare, imprecare, sfogare, piangere, ridere, danzare, impazzire, vivere, morire, rinascere […] Grazie di ogni foto, video, intervista, post, pensiero che mi continuate a dedicare, nonostante il mio silenzio musicale. […] Questo è per Voi“.
Spinto unicamente dall’onda del passaparola, Heroes ha raggiunto 6000 visualizzazioni su Youtube, raccogliendo commenti entusiasti sui social network; considerata la natura del progetto, sono risultati che “emozionano e colpiscono, ancor di più se si pensa che il progetto è nato soltanto dall’unione di un’affiatata squadra, unita da cuore e passione”.
A proposito di uscite recenti, aggiorniamo anche l’attività di Mimmo Parisi, rockantautore appassionato, il quale ha pubblicato il videoclip di “Ma tutto cambia”, brano d’atmosfera caratterizzato dal suo stile che fa uso, nel caso delle ballad, di chitarre fingerpicking e orchestrazione campionata.
Qui i video di Cabo Gianluigi Cavallo e Mimmo Parisi:

 

Maurizio “MorrizZ” Borghi tra Bullet & Backyardbabies

A cura di Maurizio “MorrizZ” Borghi
 
 
 
Il gelato venerdì sera bolognese è infiammato dal rock n’roll scandinavo al Sottotetto, club rurale  infestato di rocker pronti a inneggiare ai Backyard Babies, freschi del loro ultimo, omonimo lavoro. Il locale è accogliente e caldissimo, e stasera è colmato nella sua interezza da un pubblico entusiasta che si dimostrerà disposto ad acclamare anche gli opener. Il palco altissimo e stretto in profondità è sicuramente la particolarità del locale: tutti però godranno di ottima visibilità vista la statura fisica degli headliner… 
 
Si inizia con i BULLET…
 

Immaginiamo che l’esistenza dei Bullet sia ignorata quasi dalla totalità del locale, considerata soprattutto la scelta infelice del nome, che rende quasi impossibile reperire anche una biografia tramite Google. Gli svedesi saltano sul palco in una tenuta completamente anacronistica: capelli lunghissimi, pantaloni e giacche di pelle su petto nudo, sneakers da basket e movenze che li fanno apparire come appena usciti da Guitar Hero Rock The ’80. Fa contrasto il cantante, un ricciolone tutto tondo uguale al Pierino post-Vitali con bracciali borchiati, esilarante alla vista ma con una voce al vetriolo: potrebbero esserci loro al posto degli Airbourne, in una rilettura degli AC/DC festaiola e spruzzata di speed power ottantiano. I presenti cadono vittime in pochi minuti, e rispondono a gran voce a piccole perle come “Dusk Till Dawn”, “Turn It Up Loud”, “Rambling Man” e le altre irresistibili canzoni della setlist. Che sorpresa!

 

playlist artwork

 presenta Mimmo Parisi

Link: http://www.youtube.com/watch?v=rakuoJZwoCE

 

…E si finisce coi BACKYARD BABIES

Chi scrive non si aspettava molto dai Backyard Babies. In tutta onestà il gruppo, pur mantenendosi su standard elevati, ha calato (come è naturale che sia in anni di attività) progressivamente di intensità e potenza, adagiandosi su livelli di professionalità elevati ma tralasciando il “fattore sballo”. Perché il capolavoro “Total 13” faceva respirare una pericolosità autodistruttiva simile ai capolavori come “Appetite For Destruction”, col tempo diluita in grinta e urgenza verso altri lidi. Questa la fotografia che avevamo in mente… almeno fino a questa sera: sin dall’entrata, un Johan incazzato a morte con la spia ci fa intuire che la serata promette scintille e, sorpassando le più rosee aspettative, così è stato. Con un Nicke mai così (stra)fatto, magrissimo ed emaciato, pronto ad appoggiarsi alle casse o al locale durante un minuto di pausa, e un Dregen schizzato e nervoso come ai vecchi tempi, subito a petto nudo, l’aggressività dei Backyard si mangia problemi tecnici e calura insopportabile del locale, trasportando tutti i presenti su un ideale Sunset Boulevard di Stoccolma. La scaletta contiene molto materiale dell’ultimo self-titled: le varie “Degenerated”, “Fuck Off And Die”, “Idiots” e “Saved By The Bell” sono rese però in una versione grintosa e sono supportate da un pubblico incredibile e su di giri, che non manca di finire sul palco e causare grattacapi ai roadie. Da contorno il meglio della discografia degli Ssvedesi, che tra una “People Like People Like People Like Us” e una “Minus Celsius” smuovono anche le fondamenta del locale. Il climax si raggiunge, come al solito, quando le sirene si accendono e vengono eseguite, una di seguito all’altra, “Highlights” e “Look At You”, dopo le quali qualunque brano del quartetto avrebbe sfigurato. Felici di rimangiarci i preconcetti. Bentornati Backyard!

Qualche aggiornamento sui One Direction

 
 
 
(A cura di Alex, blogger e divulgatore) 

Guardando il video ufficiale di “You & I” dei One Direction, diretto da Ben Winston, abbiamo immaginato che i ragazzi volessero raccontarci una storia: quella della loro amicizia, del legame creatosi in questi anni insieme.

Guarda il video: You & I dei One Direction

Il (meritato!) periodo di pausa che ha preceduto l’avvio del Where We Are Tour – ha alimentato tra alcuni fan, il sospetto che ci fossero delle tensioni nel gruppo. Nulla di più falso!

…e sul palco di San Siro a Milano e all’Olimpico di Torino ne avrete una conferma definitiva. 

1D molo

YOU & I

C’è una storia che percorre il molo di Clevedon.

Una storia che non teme l’erosione della salsedine, che non sbiadisce al sole, che non muta in base al vento.

E’ la storia di un’amicizia, di quelle che si aggrappano all’anima e che ti lasciano un’emozione che non se ne va.

Puoi pensare ad alta voce, percorrere nuove rotte, stupirti dello scorrere del tempo, lei sarà sempre lì. Immutata.

La storia che percorre il molo di Clevedon ha come protagonisti ragazzi che ancora prima d’incontrarsi, hanno permesso alle loro passioni di farlo. Le stesse che li hanno portati sul palco, a raccontarsi su quelle scale, ridere, piangere di gioia e scoprirsi il più grande gruppo sulla scena pop Mondiale.

1D scale

La storia che viene raccontata sul molo di Clevedon ci insegna che l’amicizia è il faro più luminoso, non alterna mai luce al buio, ma brilla immutato avvolgendo più navi con il suo lucente raggio.

Questa è la storia di Harry, Louis, Liam, Niall, Zayn: qualunque siano quelle che leggerete, che vi racconteranno, quella che percorre il molo di Clevedon è l’unica scritta dalla Realtà.

1D mani

Non è la vita che preoccupa, ma l'opinione che si ha di essa